CASERES-ROCK

MILES DAVIS – Kind of Blue (1959)

2012-01-28T00:23:00.002+01:00

Miles Davis tuvo un reconocimiento inmediato con este disco, gustó a todos desde
el comienzo ( a gente de diversas corrientes musicales).
Para muchos es el disco más influyente de la música del siglo XX. Quizás es demasiado considerarlo como tal, pero hay que tener en cuenta que este gran trabajo ha sido un referente en el jazz, el rock, y en prácticamente toda la música.
Miles Davis tenía una idea de lo que quería hacer en el disco, pero sólo eso, la idea.
Los temas se fueron creando a medida que se iban grabando. Con los grandes músicos que acompañaban a Davis se podían hacer grandes creaciones, y vaya si lo fueron.
Grabado en dos sesiones 2 de Marzo y 22 de Abril de 1959, está considerado el mejor disco de jazz de la historia.
Basado en formas modales, que permitían amplias posibilidades de tránsito por escalas, a partir de alguna nota predeterminada en lugar de la secuencia lineal de acordes .Miles ya lo había estado probando con Gil Evans .
Miles se presentó unas horas antes con unos bocetos sobre lo que había que tocar, el resto del grupo no los había tocado nunca.
Se hizo segun la máxima del propio Miles: "no toques lo que está escrito, toca lo que no está en la partitura"
Los seis meses anteriores a la grabación Miles estuvo estudiando algunas partituras clásicas. Especialmente El concierto para la mano izquierda de Ravel y El concierto para piano nº 4 de Rachmaninov proporcionadas por el propio Evans
La banda:

Miles Davis ,trompeta, Bill Evans , piano , John Coltrane saxofón, Paul Chambers contrabajo y Jimmy Cobb percusiones.

Track list:

1. So What
2. Freddie Freeloader
3. Blue in Green
4. All Blues
5. Flamenco Sketches

DE OBLIGADA ESCUCHA

Stray Dogg - Almost (2)

2012-01-22T01:17:00.000+01:00

Segundo video de la canción Almost de Stray Dogg

Stray Dogg - Almost (2011)

2012-01-20T00:07:00.002+01:00

Grupo de Belgrado (Serbia) Se definen a sí mismos como una banda de indie folk melancólico. Nos regalan nueve canciones que nos transmitem una paz contenida, con muy buenos arreglos acústicos. Este gran trabajo fue producido a mediados del del 2011 pero es ahora cuando está calando entre los amantes de la buena música.

Almost (2010) es su primer disco. Un conjunto de canciones bastante cortas, que destacan por su limpieza y sencillez. Es ideal para ponerte los auriculares y darte un tranquilo paseo en una mañana otoñal. La canción que da título al disco es una verdadera maravilla, aconsejable al 100%.

Stray Dogg, es ,sin duda, un grupo a seguir muy de cerca, en un futuro no muy lejano pueden sorprendernos.

Track list:

1.Drunk 02:36
2.Crimson Moon 02:53
3.Smile 02:22
4.Almost 02:30
5.Dart 02:24
6.Break 02:38
7.Goddess 02:37
8.She Said 03:01
9.Eye 03:26

Componentes:

Dukat Stray
Jelena Damjanovic
Ana Jankovic
Marko Ignjatovic

Frank Zappa - The Illinois Enema Bandit (live in NYC, 1981)

2012-01-16T20:07:00.000+01:00

Estoy preparando un post sobre este genial músico y, la verdad no se todavía de que disco hablaros (hay tantas joyas). De momento os dejo este video para ir abriendo boca.

Lyrics:

The Illinois Enema Bandit

I heard he's on the loose
I heard he's on the loose
Lord, the pitiful screams
Of all them college-educated women . . .
Boy, he'd just be tyin' 'em up
(They'd be all bound down!)
Just be pumpin' every one of 'em up with all the bag fulla
The Illinois Enema Bandit Juice
He just be pumpin' every one of 'em up with all the bag fulla
The Illinois Enema Bandit Juice
The Illinois Enema Bandit ! heard it on the news !

I heard it on the news
Bloomington Illinois ... he has caused some alarm
Just sneakin' around there
From farm to farm
Got a rubberized bag
And a hose on his arm
Lookin' for some rustic co-ed rump
That he just might wanna pump
The Illinois Enema Bandit

Some day he'll have to pay
Some day he'll have to pay
The police will say, "You're under arrest!"
And the judge would have him for a special guest
The D.A. will order a secret test
And stuff his pudgy little thumbs in the side of his vest
Then they'll put out a call for the jury folks
And the judge would say, "No poo-poo jokesl"
Then they'll drag in the bandit for all to see,
Saying "Don't nobody have no sympathy . . .
HOT SOAPY WATER in the FIRST DEGREE!"
And the Bandit might say, "Why is everbody always pickin' on me?"
WELL DID YOU CAUSE THIS MISERY?
WELL DID YOU CAUSE THIS MISERY?
WELL DID YOU CAUSE THIS MISERY?
One girl shout: "Let the Bandit be!"

BANDIT ARE YOU GUILTY?
TELL ME, WHAT'S YOUR PLEA?
Another girl shout

INXS – Kick (1987)

2012-01-11T18:50:00.001+01:00

INXS es una de las más importantes bandas del pop-rock australiano. Empezaron su andadura en 1977 en Sydney cuando aún eran estudiantes de secundaria. La banda estaba liderada por el vocalista Michael Hutchence, quien se convirtió en una de las más importantes figuras de los 80.

INXS editó en 1987 el sexto álbum de estudio. “Kick” .
En “Kick” se encontraban en INXS la formación clásica del grupo. Encabezados por Hutchence, INXS se componía de 7 músicos. Garry Gary Beers al bajo, los 3 Farriss, Tim a la guitarra, Jon a la batería y Andrew a los teclados y Kirk Pengilly a la guitarra y saxo .

Este disco coloca al grupo en los primeros lugares de las listas de finales de 1987 y principios de 1988, con el paso de los años se convirtió en la mejor definición del sonido del grupo.
“Guns in the sky” abre el disco, es un tema que al principio no engancha mucho pero con su escucha continuada acaba por seducirte.“New Sensation” es un pedazo de tema que define al grupo en toda su extensión.. “Devil Inside” que trata de las dos caras que tenemos los seres humanos , la que enseñamos y la que no queremos que vean, muy buen tema también.
“Need You Tonight” es el primer single que se sacó del L.P. y es la canción más sensual del disco . Después nos ofrecene “Mediate” , en el video aparecen los miembros del grupo con unos carteles con las palabras de la canción.
“Never Tear Us Apart” es el himno de este gran trabajo,la típica letra que habla de unos amores que tienen un gran principio y acaban como el rosario de la aurora. “Mistify” otra “historia” de amor, trata de la magia de una relación . “Kick”, la canción que da título al álbum, es una especie de crítica a los periodistas que no creían en ellos.
Finalizan con “Calling all Nations” y “Tiny Daggers”
La muerte (suicidio) de Michael que no superó las secuelas (creo de un accidente) impidió una mayor gloria de la banda.

1. Guns in the Sky
2. New sensation
3. Devil Inside
4. Need You Tonight
5. Mediate
6. The Loved One
7. Wild Life
8. Never Tear Us Apart
9. Mystify
10. Kick
11. Calling All Nations
12. Tiny Daggers

2012

2011-12-31T16:16:00.000+01:00

FELIZ AÑO NUEVO, ESPEREMOS QUE SEA (AUNQUE SÓLO UN POQUITO) MEJOR QUE ESTE 2011 QUE DEJAMOS ATRÁS.

LAYLA ZOE "Sleep Little Girl" 2.011

2011-12-31T05:00:00.002+01:00

Excelente hallazgo para terminar el año. Disco realmente espectacular. Layla Zoe nos ofrece en este “Sleep Little Girl” un blues de muy alto nivel. Como comenté en un post anterior, Layla me recuerda a Janis Joplin, ya sé que no es lo mismo y que estamos en 2.011. Esta cantante canadiense posee una voz potente, impactante. El tema que empieza el álbum ya te esta diciendo que estás ante un discazo: I've been Down. El disco es muy regular, no decae en ningún momento. Buen blues cantado con mucho sentimiento, que es como se ha de interpretar el blues. Temas como “Black Oil”, “Givie it to me”,”Rock’n Roll guitar man” o “Singing Blues”, hacen que creas todavía en el blues del siglo XXI.”

No es un disco para extenderme mucho, escuchadlo .

Buen descubrimiento esta Layla Zoe que hace días se está comentando por los blogs dedicados al rock y al blues. Yo particularmente voy a arrinconar durante un tiempo a Beth Hart y dedicaré mi tiempo a esta Layla Zoe, creo que existe una gran diferencia de voz y voy a comprobarlo con una escucha a fondo de todo lo que pille de ella.

TRACK LIST:

01. I've been down [2:33]
02. Give It To Me [4:18]
03. Singing My Blues [3:37]
04. Let's Get Crazy [4:29]
05. Black Oil [9:21]
06. Pull Yourself Together [3:44]
07. I Hope She Loves You Like I Do [3:35]
08. Hippie Chick [6:21]
09. Rock And Roll Guitar Man [6:28]
10. Sleep Little Girl [3:42]

CREDENCE CLEARWATER REVIVAL – “Willy And the Poorboys” (1.969)

2011-12-26T06:03:00.000+01:00

Con ‘Willy And the Poorboys’ (Fantasy Records, 1969) surgieron algunos cambios que posiblemente cogieran de sorpresa a ciertos sectores dentro de la audiencia de entonces, al esperar una continuación a lo ya publicado. De todos modos, no tenían motivos para criticar ni despreciar este álbum, una auténtica joya que denotaba energía y optimismo “a saco”, muy lejos de sus dos trabajos anteriores más sombríos , aunque en la línea inicial de los CCR. Fogerty “transformó” al grupo que por otra parte seguía sonando a los más genuinos CCR.

El primer tema es ‘Down On the Corner’, sin comentarios ,uno de los himnos de toda una generación. Musicalmente perfecto. Los covers ‘The Midnight Special’ y ‘Cotton Fields’, pasado el tiempo ya se han hecho suyos, casi nadie recuerda los originalest. ‘Poorboy Shuffle’, nos transporta hacia tiempos lejanos con un estilo puramente americano

‘Feelin' Blue’ es un bluegrass , ‘Don't Look Now’. Un rockabilly, como veis las influencias musicales les venían por todos lados, haciendo del disco un cocktail con todos los sabores.

Sin embargo, donde de verdad reside la más intensa pasión e inmortalidad de este‘Willy And the Poorboys’ es en esos dos temazos titulados ‘Fortunate Son’ y ‘Effigy’. La primera por su inmediata y brutal honestidad y la segunda porque es mi canción preferida de los Credence. , que quereis que os diga…………….

Fue un grupo honesto y brillante que marcó a nuestra generación( la mía claro) pero al que aún le quedan muchos años para con sus discos, deleitar a todas las generaciones posteriores.

Tracklist:

1. Down On the Corner (2:47)
2. It Came Out of the Sky (2:56)
3. Cotton Fields (2:54)
4. Poorboy Shuffle (2:27)
5. Feelin' Blue (5:06)
6. Fortunate Son (2:21)
7. Don't Look Now (2:12)
8. The Midnight Special (4:14)
9. Side O' the Road (3:26)
10. Effigy (6:26)

SONATA PARA VIOLONCHELO

2011-12-18T02:36:00.001+01:00

La Película

Julia, una mujer atractiva, elegante y culta, está dispuesta a gozar de la vida a su manera, entregada en cuerpo y alma a la música, a su música. Reconocida violonchelista que roza ya la cincuentena, Julia tampoco deja pasar la ocasión de disfrutar de una buena cena con sus amigos o del sexo esporádico junto a algún joven amante. Sin embargo, un exabrupto la obligará a replantear su vida a largo plazo.

Después de años de esporádicos dolores en diferentes partes del cuerpo, Julia recibe definitivamente un diagnóstico: fibromialgia. Enfermedad crónica sin causa conocida, Julia intentará seguir con su vida: largas horas de estudio, viajes, ensayos y giras por diferentes ciudades europeas. Con el paso de los días, la lucha de Julia por continuar tocando el violonchelo se convierte en un combate entre la pasión y la constancia y un progresivo e imparable deterioro físico. De forma inevitable, su vida social se irá reduciendo progresivamente, aunque el dolor la acercará a personas a las que hasta ahora había mantenido muy lejos.

Se necesita la colaboración de todos para llevar a buen puerto este gran proyecto, entra en la web , infórmate en la misma y entra a formar parte de esta película.

http://www.sonataparaviolonchelo.com/

Layla Zoe & Band - Black Oil (from the NEW ALBUM SLEEP LITTLE GIRL 2011)

2011-12-17T21:41:00.000+01:00

Los que ya pasamos de los 50, nos creíamos que Janis Joplin había puesto el listón muy alto, pero por suerte .............................

Sibelius. Sinfonías nº 2 y nº 5. Celibidache. Swedish Radio Symphony Orchestra. 1965. 1971.

2011-12-15T00:09:00.001+01:00

DEL BLOG "SENTIDOS"

Queridos amigos míos el disco que os dejo es una joya.

La aproximación de Celibidache a Sibelius en dos de sus más famosas e interpretadas obras, las Sinfonías nº 2 y nº 5, que tienen numerosísimas grabaciones excecionales (Szell, Barbirolli, Bernstein, Colin Davis, etc.) supone para mí un descubrimiento musical todas y cada una de las veces que escucho esta preciosa grabación.
La forma en que Celibidache consigue transmitir la fuerza motriz y el impulso de estas dos sinfonías, cómo logra que florezcan y renazcan todos y cada uno de los motivos, como si estuvieran vivos; como es capaz de mantener el fondo místico, descriptivo, sin dejar de lado los afectos, las emociones, la intuición o la sorpresa, resultan bellísima e impresionante.

La Segunda Sinfonía, maravillosamente lograda, con su sonoridad, su transparencia, su naturalidad sin corsés, su belleza sobria; la monumentalidad expansiva, el tempo logrado en su desarrollo es increíblemente bello. Los detalles aparecen frescos, matizados, perfectos en su unión global en la obra. Y el movimiento final se desarrolla hacia su apogeo final construyéndose con una fuerza indescriptible. El resultado global es una excepcional aproximación a esta maravillosa obra de Sibelius. Sin desperdicios, abrumadora, imponente y sencillamente genial.

La Quinta Sinfonía, una de las más maravillosas obras sinfónicas escritas por Sibelius (para mí junto a Segunda, Tercera y Séptima) fue interpretada en los años finales de la colaboración entre la orquesta sueca y el maestro rumano. La calidad del conjunto formado, su madurez orquestal y musical y el hecho de tener un conjunto orquestal entregado al maestro logra una tensión, una belleza y una sonoridad de un carácter sublime redondeando una obra que mantiene una emotividad y una sensibilidad de alto voltaje en una obra perfectamente unida e integrada. Perfecta.

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The Allman Brothers Band performs "One Way Out"

2011-12-08T19:37:00.001+01:00

Allman Brothers Band ~ Melissa

2011-12-06T19:13:00.000+01:00

ARMAGEDDON "Armageddon" 1,975

2011-12-04T00:03:00.001+01:00

Hoy estaba quitando el polvo a mis viejos vinilos y apareció ante mi. Pensaba que lo había regalado tiempo atrás, menos mal que no lo hice, tenía ante mi el colosal disco Armageddon.

Armageddon fue una banda de Hard Rock fundado en 1974 en el Reino Unido..
Estaba formado por el batería Bobby Caldwell, exCaptain Beyond, Keith Relf, cantante exYardbirds y Renaissance, el guitarrista Martin Pugh, ex Steamhammer, y el bajo Louis Cennamo, ex -Renaissance y Steamhammer.

Publicaron solo un disco, Armageddon, grabado en Inglaterra y publicado en los Estados Unidos por A&M Records. El grupo toco en solo algunos conciertos para promover el álbum, y no recibieron el más mínimo reconocimiento y pasaron al olvido, qué pena!!!

Armageddon fue el final para Keith Relf. El excantante de la banda que lanzo a Clapton, Beck y Page, Relf había abandonado sus raíces bluseras cuando fundo Renaissance a final de los 60's.

Relf dejo Renaissance después de dos álbumes (de hecho, a la mitad del segundo álbum) debido a su frustración con la industria discofráfica y estar cansado de andar en gira. Sin embargo, cuando creo Armageddon, se involucro con uno de los mejores álbumes de rock de los 70's.

Después de la disolución de Steamhammer, Relf, y los ex miembros de Steamhammer, Martin Pugh (guitarra) y Louis Cennamo (bajo) fueron a Los Angeles y se reunieron con el ex batería de Captain Beyond y Johnny Winter, Bobby Caldwell para formar Armageddon.

Armageddon creó una obra sublime y perdurable en el tiempo.
Criticado cuando fue originalmente lanzado por supuestamente sonar "anticuado", este era de hecho uno de los puntos fuertes del álbum. Muchos de los grupos mas reconocidos de la época (Deep Purple-, Led Zeppelin, Black Sabbath- etc) se orientaban en términos de producción a creaciones mas refinadas, alejándose de canciones con sonido crudo. Armageddon sonaba como del pasado con una producción mas básica.

No voy a desglosar los temas del album, solo os digo que es de escucha obligada para los amantes del buen rock de los 70.

Es una pena el hecho de que este fue el único álbum que tenemos de Keith Relf con Armageddon. Relf volvió a Inglaterra debido a su pobre estado de salud. Poco tiempo después de la publicación del álbum, Keith Relf se electrocuto mientras tocaba su guitarra eléctrica. Mermados y ya sin líder, Armageddon se desintegro.

Armageddon es el vivo recuerdo de lo que los artistas son capaces de ser cuando se les da independencia creativa. Irónicamente, este álbum no hubiese visto la luz de no haber sido por el éxito de Framptom's Comes Alive de Peter Frampton. De acuerdo al librillo del cd, Framptom recomendó a Armageddon con A&M Records, y ya que el era el artista de mas ventas en esa época, lo escucharon. Es un gusto que lo hayan hecho.

Armageddon es y será siempre un álbum de Rock Clásico más que vale la pena conocer y tener.

Track list

1. Buzzard
2. Silver Tightrope
3. Paths and Planes and Furture Gains
4. Last Stand Before
5. Basking in the White of the Midnight Sun a.Warning Comin' On b.Basking in the White of the Midnight Sun c.Brother Ego
6. Basking in the White of the Midnight Sun (Reprise)

"El árbol de la vida"

2011-11-30T18:53:00.001+01:00

Aconsejable al 100%, ya la he visto dos veces. No cuento nada, hay que verla , interiorizarla, reflexionar, identificarnos,...........

DOMUS PENSI -2004- Altavins viticultors(D.O. Terra Alta)

2011-11-28T21:12:00.005+01:00

NOTA DE CATA

Presenta un color rojo intenso.

Complejo aroma de frutas rojas, ciruela ,pasas, notas de cacao y café tostado.
En boca es goloso , de entrada suave y evolución rotunda.
En retronasal recuerda a la mermelada de cerezas.
Llargo post-gusto.
Vino sin filtrar.
Decantar antes de
servir.

Producción media por cepa 1.050 Kgr.

Selección de viñas de más de 30 años, de las fincas
Fontvallestana i El Mas de Gandesa, i de la partida
Massalocans de Batea.

Variedades:
35 % Cabernet
30 % Garnatxa
15 % Syrah
10 % Ull de llebre
10 % merlot

Suelo: Suelos calcáreos de baja permeabilidad.. Pobres en materia orgánica.Vinificación: Vendimia manual en cajas de 20 Kg,
Maceración y fermentación a temperatura controlada, en depósitos de acero inoxidable durante 26 días a una temperatura de 28º
Crianza: envejecimiento de 12 meses en barrica, en una
proporción de 80% de roble francés, 10% de roble americano y 10% de roble centro-europeo,
24 mesos en botella.
Consumo: dentro de los próximos 10 años.

Jane's Addiction "Been Caught Stealing" Live (HD, Official)

2011-11-22T20:25:00.001+01:00

Hoy he recordado a unos de los grupos que más me impactó en su día y que sigo escuchando con asiduidad. Sencillamente grandes.

Jane's Addiction Performs "Irrestible Force"

2011-11-22T20:17:00.001+01:00

Irrepetibles

KaseO Jazz Magnetism - Boogaloo

2011-11-20T18:10:00.000+01:00

Rap del bueno, con un gran acompañamiento musical, muy recomendable.

Beth Hart and Joe Bonamassa- For My Friends @ Echoplex 9-19-11

2011-11-10T18:45:00.001+01:00

BETH HART / LIVE [LED ZEPPELIN LIKE SOUNDMIX]

2011-11-06T18:39:00.000+01:00

Beth Hart - Am I The One Live At Paradiso 2004 HQ video

2011-11-03T18:37:00.001+01:00

JANE’S ADDICTION - Paris 2003

2011-10-31T12:00:00.002+01:00

Estos son Jane’s Addiction tocando en vivo en Elysée Montmartre, París.

de nuevo el 25 de octubre de 2003. El concierto fue transmitido por la radio francesa "OUI FM", fue en apoyo de su último álbum "Strays".
Jane’s Addiction es una banda de rock alternativo formada en Los Angeles, California en 1985. La formación original de la banda estaba compuesta por Perry Farrell (vocalista), Dave Navarro (guitarra), Eric Avery (bajo) y Stephen Perkins (batería). Después de separarse en 1991, se reunieron en 1997 y nuevamente en 2001, en ambas ocasiones Avery se negó a participar. En 2008, el grupo original, con Avery, se reunió y se embarcó en una gira mundial. Avery posteriormente dejó la banda a principios de 2010 cuando el grupo comenzó a trabajar en nuevo material. Hasta la fecha, han lanzado cuatro álbumes de estudio.
“Strays” fue el tercer álbum de estudio , publicado el 22 de julio de 2003 en Capitol Records. Publicado 13 años después de Ritual de lo Habitual (1990), el álbum marca un gran vacío entre disco y disco, y es el primero en incorporar el bajista Chris Chaney. En cuanto a la decisión de grabar un nuevo álbum de estudio después de 13 años, el bateria Stephen Perkins dijo que la banda ya había completado dos viajes de reencuentro para tocar material antiguo, y que Jane estaba listo para "un nuevo reto." El vocalista Perry Farrell afirma que la banda "entró en el estudio pensando rápido, fuerte, moderno y al punto."
Tras su primera semana de lanzamiento, el álbum vendió 110.500 copias en los Estados Unidos y actualmente es disco de oro. En el Reino Unido, el álbum está certificado Plata, habiendo vendido más de 60.000 copias. El single, "Just Because", fue nominado para un premio Grammy en 2004.
Cinco canciones del álbum están incluidos en este concierto.

Set List del concierto:

1- Up The Beach
2- Stop
3- Ain't No Right
4- True Nature
5- Been Caught Stealing
6- Three Days
7- Everybody's Friend
8- Just Because (acoustic)
9- Strays
10- The Riches
11- Ocean Size
12- Mountain Song
13- Jane Says

Link de descarga:
http://www.mediafire.com/?zjfqw1ekp24aq14

Beth Hart - Waterfalls. (37 days) HQ

2011-10-30T18:33:00.002+01:00

Beth Hart - Whole Lotta Love - Live HQ

2011-10-28T18:30:00.002+02:00

Going Down : Jeff Beck featuring Beth Hart

2011-10-25T18:22:00.001+02:00

Beth Hart - Sick (WOW!!!) @ the Echoplex 6-13-10

2011-10-25T08:27:00.000+02:00

La Verbena de la Paloma. Ricardo de la Vega y Tomás Bretón. Ataúlfo Argenta. Gran Orquesta Sinfónica. Coro de Cantores de Madrid. José Perera. 1955. (Homenaje a Martí Puigblanqué)

2011-10-23T15:09:00.001+02:00

Hoy quiero dedicar este post a mi abuelo Martí, hombre de sencillas costumbres, que con cuatro cosas era el ser más feliz del universo. Una de esas cuatro cosas era la zarzuela (el había cantado a nivel de aficionado). Siempre que hablaba del tema realzaba a Manuel Ausensi, “este si que sabe cantar” decía. Desde este blog sólo quiero hoy rescatar del recuerdo a este gran hombre (a pesar que no medía 1,50 m) que fue mi abuelo. De él aprendí una forma de vida que a pesar de haberla tenido que adaptar a los nuevos tiempos, siempre me ha servido para ser feliz. Hoy voy a escuchar esta obra ,en un pequeño homenaje íntimo. Hay que recordar a las personas que han dejado huella y que han servido para que futuras generaciones sean mejores, la transmisión de buenos valores es lo mejor que podemos dejar a nuestros descendientes, Martí lo consiguió. Hoy en día mi madre hace contínuas referencias a su padre y yo lo tengo como un modelo a seguir. Espero que a través mío, mis hijos tengan algo, por poco que sea, de su bisabuelo Martí.

La Verbena de la Paloma también conocida como El boticario y las Chulapas y Celos mal Reprimidos. Obra estilo sainete lírico con libreto de Ricardo de la Vega y música de Tomás Bretón se estrenó el 17 de febrero de 1894 en el Teatro Apolo de Madrid. La obra es el ejemplo clásico de género chico, de corta duración; está estructurada en un acto y tres cuadros con diversidad de escenografía y decorados en cada uno de ellos con diversos números musicales. Es una obra que refleja fielmente el Madrid de finales del siglo XIX y una representación de las fiestas madrileñas de agosto con sus personajes típicos las chulapas, el sereno, los guardias, el boticario, el tabernero, etc., además de otros típicamente castizos como Don Hilarión y su amigo Don Sebastián, la tía Antonia. Es una de las zarzuelas de mayor éxito tanto a nivel nacional como internacional.

La Verbena de la Paloma

Ricardo de la Vega, libreto
Tomás Bretón, música
Ataúlfo Argenta
Gran Orquesta Sinfónica
José Perera
Coro de Cantores de Madrid
Madrid, 1955.

Susana: Ana María Iriarte
Señá Rita: Inés Rivadeneira
Casta: Julita Bermejo
Julián: Manuel Ausensi
Don Hilarión: Miguel Ligero
Don Sebastián: Joaquín Portillo
Sereno: Rafael López Somoza
Cantaora: María Dolores López
Tía Antonia: Sélica Pérez Carpio
Tabernero: Rafael Campos

DVORAK-Danzas Eslavas. George Szell - Cleveland Orchestra-1965-

2011-10-23T14:29:00.002+02:00

Sólo os puedo decir que lo escucheis , es una auténtica maravilla.

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Paul McCartney & Wings – Band on the Run (1973)

2011-10-18T07:24:00.000+02:00

Después del gran disco que fué Ram , McCartney hizo Band on the Run.

1973 fue bastante ajetreado para Paul. Primero el álbum Red Rose Speedway , más tarde el espectacular hit de película “Live and Let Die” y más tarde se pondría manos a la obra con Band on the Run.

Sin duda, con Band on the Run Paul alcanza la cima,es un disco impresionante, de la misma calidad de Ram. Repleto de clásicos, melodías extraordinarias y además muy diversas en estilos. Porque McCartney no es solo pop, experimenta con blues, hard rock, rock progresivo y con todo lo que puedas imaginar..

La canción más conocida es ,claro está, “Band on the Run”, un grandioso clásico, una especie de suite progresiva porque esta dividida en varias partes con una melodía, un estribillo y guitarras que te capturan de entrada. Le sigue “Jet” canción pop . Con “Bluebird” nos hace un gran regalo acústico (es mi preferida). “Mrs Vanderbilt” tal vez es la más “horterilla” pero no desentona en el total del álbum. A continuación viene “Let Me Roll It”, una balada a ritmo de blues, sencillamente genial.“Mamunia”es una agradable canción . “No Words” otra balada made in Mc Cartney. “Helen Wheels” es un country rock con estribillo pegadizo. “Picasso’s Last Words (Drink To Me)” otro muy buen tema seccionado en varios fragmentos. Y para acabar otra de mis preferidas, “1985”.

Band on the Run fue un éxito total en su época, totalmente vigente y de escucha muy recomendada. Ya no se trata de si me gustan los Beatles o no, es McCartney en lo más alto. Por cierto la portada está llena de personajes conocidos, dadle un vistazo.

Band on the Run
Jet
Bluebird
Mrs Vanderbilt
Let Me Roll It
Mamunia
No Words
Helen Wheels
Picasso’s Last Words (Drink To Me)
1985

Patti Smith – Horses (1975)

2011-10-10T07:47:00.004+02:00

Patti Smith , debutó en 1975 con este disco y se convirtió en una referencia del punk-rock. Patti fue también cpnocida por sus facetas de compositora y poeta.
Hizo una fusión de música rock y poesía, que hacía tiempo que nadie intentaba, y el resultado fue excelente.
Nació el 30 de Diciembre de 1946 en Chicago, aunque creció en Nueva Jersey, donde trabajó en una fábrica de colchones, dada la precaria situación de su familia.
Patti grabó su primer álbum, Horses, en 1975, con la producción del ex Velvet Underground, John Cale. La tapa del disco es una foto mítica donde Smith no es hombre ni mujer. El disco se convertiría en un clásico y seria incluido por la revista Rolling Stone en el puesto 44 de los mejores 500 discos de la historia.
El álbum empieza con “Gloria” que marca la tónica del disco que sigue en “Birdland” y “Land: Horses / Land of a Thousand Dances / La Mer (De)“
Cabe destacar también el archiconocido “Redondo Beach“, “Free Money” y “Kimberly” que estaban inspirados en vivencias personales de Patti, mientras que “Break It Up” y “Elegie” fueron escritos para sus ídolos. El disco acaba con una versión en directo de “My Generation” de The Who, que a mi parecer se podía haber dejado en el estudio de grabación, una mala y loca versión.

1. Gloria
2. Redondo Beach
3. Birdland
4. Free Money
5. Kimberley
6. Break It Up
7. Land: Horses/Land of a Thousand Dances/La Mer (De)
8. Elegie
9. My Generation (Live)

ULTIMOS TICKETS

2011-09-29T18:31:00.001+02:00

PAUL KOSSOFF: "Back Street Crawler" (1973)

2011-09-29T08:29:00.000+02:00

Nació en Londres el 14 de septiembre de 1950 y ya desde pequeño se interesó por la guitarra. Estudió 6 años de guitarra clásica pero no fue hasta que vio a Eric Clapton y su Les Paul tocando con los Bluesbreakers de John Mayall que decidió consagrar su vida a la guitarra blues.

Comenzó a tocar en bandas locales al mismo tiempo que trabajaba en una tienda de música en Londres. En esta tienda conoció a un recién llegado Jimi Hendrix, que le tocó una versión de su “Little Wing” que dejó completamente hipnotizado al jovencísimo Koss, que a partir de aquí veneraría la figura del guitarrista norteamericano. En una de aquellas bandas ( Black Cat Bones ) conoció al que después sería el batería de Free y Bad Company, Simon Kirke. Poco después conocieron a Paul Rodgers y a un jovencísimo bajista que con solo 15 años había tocado con los Bluesbreakers: Andy Fraser. Juntos formaron una de las mejores bandas de finales de los 60 y principios de los 70.
De los discos que grabaron Free no vamos a hablar en esta ocasión, sólo decir que la guitarra de Kossoff junto a la voz de Paul, dieron el sonido que identificó a este gran grupo, por los siglos de los siglos.
Cuando se produjo la separación de Free en el año 1972, Koss se encontraba en un estado lamentable, patético. La muerte de su idolatrado Jimi Hendrix le había sumido en una profunda depresión. Su participación en “Heartbreaker”, el último álbum de la banda, fue muy reducida aunque gloriosa: el solo de “Come Together In The Morning”es una maravilla.

Pese a todo, Koss fue capaz de publicar a finales del año 1973 su primer disco en solitario, el excelente “Back Street Crawler” en el que contó con la colaboración del batería de Yes Alan White y de algunos de sus ex-colegas de Free, hasta Paul Rodgers. El resultado fue inmejorable.

Contento con los resultados, Koss decidió formar un grupo en toda regla. Back Street Crawler fue su nombre y contaba con Terry Wilson-Slesser al bajo y a las voces, Mike Montgomery a los teclados y a las voces, y Tony Braunagel a la batería . Su primer disco, “The Band Plays On” es un muy buen trabajo de hard rock setentero, muy en la onda de Free / Bad Company. Canciones como “New York, New York”, “Survivor” o “Jason Blue” bien merecen la pena ser recordadas.

Para la continuación, “2nd Street” Mike Montgomery abandonó la banda y fue sustituido por un viejo conocido de la época del “Heartbreaker” de Free: John ‘Rabbit’ Bundrick (con el que Koss había grabado también un disco junto con Tetsu Yamauchi y Simon Kirke, “Kossoff, Kirke, Tetsu, Rabbit”). De nuevo un buen trabajo de hard rock, con grandes canciones como “Blue Soul” o la que cierra el disco “Leaves In The Wind”, con un buen trabajo de Koss a la guitarra.

Bien, hasta aquí lo que he podido recoger de la vida de este gran guitarrista.. Después aparecerían recopilatorios de su carrera en solitario y con Back Street Crawler, además de un directo “Live at Croydon Fairfield Halls. (1975)

Ahora lo mejor que podemos hacer es escuchar esta auténtica maravilla: “Back Street Crawler”

“Tuesday morning”, es de un disfrute total para los oídos,con sus 17 minutos de duración que no cansan en ningún momento. Kossoff en esta suite hace una auténtica exhibición, al igual que en otras dos como “Time away” y “Back street crawler (don’t need you no more”), que destilan feeling por un tubo y donde este genial músico ofrece todo lo que escondía en su atormentada alma. Los dos temas que quedan tienen la aportación de Paul Rodgers en “Molton gold”, un tema que podía haber formado parte de cualquier álbum de Free, y por último, “I’m ready”, una pieza de claro sabor soul cantada de manera impecable por Jess Roden.

25 años sin Cliff Burton-Del Blog Soul Movers-

2011-09-27T22:09:00.000+02:00

Hoy vamos a recordar los buenos tiempos de Metallica, cuando el cúmulo de despropósitos que han tirado toda su credibilidad por la borda ni se divisaban en la lontananza. Y es que tal día como hoy, pero hace 25 años fallecía en un accidente de tráfico el bajista de la banda por antonomasia; Cliff Burton. Se puede afirmar que con su deceso el espíritu más genuino de los creadores de Master Of Puppets desparecía para siempre. Aún nos brindarían grandes momentos coronándose como la banda de metal más famosa de todos los tiempos con el inconmensurable álbum negro y una gira que fue irrepetible. Mucha gente dice que si Cliff estuviera vivo no hubieran cometido tantos errores, eso es hacer historia ficción, ya que al trío superviviente también se les veía íntegros y con las ideas claras y podría ser que el malogrado bajista hubiera perdido la chaveta (o no) como Ulrich o Hetfield debido al éxito masivo. El único que estuvo en su sitio fue precisamente el sustituto del difunto; Jason Newsted, que cuando vio la casa de locos en la que estaba decidió saltar por la ventana. En definitiva poco queda de esos lejanos Metallica de la era Cliff Burton, ahora son más populares que nunca pero por muy digno que sea el loado Death Magnetic para servidor no dejan de ser una banda agotada, aburguesada y con la credibilidad por los suelos. Vamos, que hace tiempo que no me los creo.

Publicado por Da Muzz en 12:43

BODEGAS LECEA - San Asensio (La Rioja)

2011-09-25T16:10:00.000+02:00

Él pasado 21 de Septiembre, visité junto con Conchi las Bodegas Lecea en San Asensio (La Rioja), Debo confesar que no nos esperábamos encontrar lo que nos mostró su propietario Luis Alberto Lecea.

Son Bodegas centenerias con una antigüedad entre 300 y 500 años. En la zona en que se encuentran existen más de trescientas, la inmensa mayoría en un estado lamentable y en el olvido. Todo el subsuelo de la zona es un inmenso laberinto de pasadizos y estancias que hace apenas unos años se dedicaba a la elaboración de vinos. Lecea está haciendo un esfuerzo para reivindicar estas bodegas y la forma artesanal de hacer el vino. Ya en 2010 se celebraron unas jornadas donde el público en general pudo ver de cerca todo el proceso de elaboración a la vieja usanza.

Se deposita la uva en el lago y el vino que deja se separa en una primera selección. Este vino se aprovecha para vino cosechero o crianza. A continuación la uva que queda en el lago es ya uva entera. Se pisa y este nuevo vino se aparta en una segunda selección que servirá para embotellar el "Corazón del Lago", un vino que os puedo asegurar no es fácil de olvidar, sencillamente exquisito.

Con lo que ha quedado en el lago se realiza el prensado, que da una tercera selección que se separa para otros vinos de la bodega.

Os dejo unas imágenes que he podido recoger en la red (aquel día me dejé la cámara en el hotel), y os recomiendo que si vais a La Rioja, paséis por San Asensio y no dejeis de visitar estas ancestrales bodegas, vale la pena.

El Sr. Luis Alberto Lecea, es una persona encantadora que explica con todo detalle su pasión: dar a conocer estas bodegas subterráneas, auténtico patrimonio olvidado de La Rioja.

Unnum 2008

2011-09-22T23:53:00.000+02:00

Este vino procede de tres viñas privilegiadas: Mendigüerra (plantada en 1931), Caralacueva (1931) y La Loma (1946), situadas en laderas de Briones, Rioja Alta, en suelos calcáreos muy pobres a una altitud superior a 550 metros. No se utilizan fertilizantes artificiales y todos los laboreos (poda, espergura, aclareos y deshojados) son hechos a mano.

Origen:
Briones, La Rioja Alta, D.O.C. Rioja.

Variedades de uva:
Tempranillo.

Vendimia:
Todas las uvas fueron vendimiadas a mano en cajas de plástico de 10 kg. y depositadas en la mesa de selección (no disponen de tolva de descarga).

Elaboración:
Fermentación vínica a 28-29º C., con remontados y bazuqueos frecuentes, durante dieciséis días sin pre ni post maceraciones.

Maloláctica:
A principios de noviembre el vino pasó a 24 barricas nuevas de robles francés y americano (85% francés y 15% americano) de las tonelerías Murúa, Cadus y Taransaud, en una habitación a 19º C. Cada día se analizó la evolución de todas ellas y las batonearon para remover las lías.

En roble:
Solo 10 meses en las mismas barricas, con trasiegos periódicos. Se rellenó cada barrica a rebosar con el mismo vino para reducir oxidación cada ocho semanas.

Embotellado:
Se embotellaron sin filtrar 6.474 botellas de 75cl y 363 mágnum en Septiembre de 2009.

Sencillamente, delicioso.

LA MALETA MEXICANA (2)

2011-09-19T23:40:00.001+02:00

La cineasta mexicana Trisha Ziff presentó hoy (19-09-11) en el Festival de Cine de San Sebastián su película “La maleta mexicana”, con la idea de crear una conciencia de la memoria histórica sobre el tema de los exiliados en México por la guerra civil española.

En los cines Príncipe, donde se presentan las películas de la sección Made in Spain de esta cita cinematográfica, Ziff hizo una especie de homenaje a los fotógrafos porque con su trabajo puede preservarse esta memoria histórica.

Recordó a un amigo suyo, un fotógrafo que recientemente perdió la vida en Libia y también de otra persona que ha trabajado por la memoria histórica, “mi amigo y mi mentor”, Baltasar Garzón, “quien ahora no puede ejercer”.
La cineasta, quien refrenda su mexicanidad, pese a haber nacido en Inglaterra, señaló que “para mí, la importancia de estar en este festival es mostrar mi película con una audiencia española”.

“Es la única vez que yo tendré esta oportunidad, de percibir la reacción de la gente aquí por mi película”, expresó tras resaltar que le acompañan familias de gente desaparecida en la Guerra Civil española y arqueólogos que han buscado los restos de los desaparecidos.
Al referirse a los 4.500 negativos que los prestigiosos fotógrafos Robert Capa, Gerda Taro y David Chim Seymour tomaron durante la Guerra Civil española, que fueron encontrados en un departamento de la Ciudad de México y que están en su película, Trisha aseveró que “son sólo una parte de mi proyecto”.
“Para mí, la historia de los exiliados, cuando México abre sus puertas y refugia a los españoles, es igual de importante como la historia de los negativos”, dijo.
“Lo de los negativos es algo simbólico, la ruta de los negativos es de la gente que sale de España”, subrayó.

Expuso que la película está dividida en tres partes, una es la de los negativos, la otra es el exiliado y la tercera es qué pasa en España hoy en relación con la memoria.
“Ésta es una parte importante de la historia, hay una gente aquí que quiere saber qué pasó en el pasado y otros que dicen que no”, afirmó.

The Doors – "Strange Days" (1967)

2011-09-15T18:05:00.001+02:00

The Doors lanzaron su primer disco y parecía que ya estaba bien para empezar, pero tenían más para ofrecer. Por eso en el mismo año (1967), lanzarían un disco que resultó ser más perfecto que su predecesor: Strange Days.

Hay dos observaciones que hacen de Stranges Days un trabajo superior respecto a The Doors:
A - el nivel general de sus canciones es más igual y sólido (en el primer disco hay un par de temas bastante mediocres, a mi parecer)
B - la psicodelia oscura y gris de The Doors está muy mejorada, generando una atmósfera única que ya no nos ofrecerían nunca más.

“Strage Days”, inmortalizado por las míticas líneas iniciales enunciadas por Morrison: “Strange days have found us”
“You’re Lost Little Girl”, otra canción oscura y a mi gusto una de las más hermosas.
“Love Me Two Times”, histórica de las más representativas del grupo.
“Unhappay Girl” con Manzarek enseñando como se toca .
“Horse Latitudes”, un poema de Morrison con una ambientación horrorosa y muy loca, nos conecta con la segunda parte de Strange Days.
“Moonlight Drive” psicodelia a tope.
“People Are Strange”. Clásico entre los clásicos, excepcional, fue creada por Morrison en un momento de depresión.
“My Eyes Have Seen You”, muy dinámica , de mis preferidas.
“I Can’t See Your Face in my Mind” otro buen tema que fascinaba a los seguidores del grupo por su contenido (letra)
“When The Music is Over”, un final que se quiere igualar a “The End” por su duración, mucha improvisación y con una gran dosis de poesía “made in Morrison”, otra de mis preferidas.

Sin duda el mejor disco de The Doors a mi parecer, después seguirían con grandes trabajos, pero lo que sentí en su día (sería el año 1970) no se repitió con ningún otro disco de este genial grupo.

LA MALETA MEXICANA, Trisha Ziff, 2008

2011-09-14T19:03:00.000+02:00

Festival de Cine de San Sebastián 2011

CRÉDITOS

Productora España: Mallerich Films Paco Poch, S.L.asociación con Alicorn Films

Productora México: 212 Berlin

Director: Trisha Ziff

Productores: Paco Poch, Eamon O'Farrill, Trisha Ziff

Coproductores: Víctor Cavaller, Andrés Luque, Michael Nyman

Productores asociados: Ben Tarver, Marco Polo Constandse, Avelino Rodríguez

Guión: Trisha Ziff

Asesor creativo: John Sayles

Editores: Bernat Aragonés, Luis López, Paloma Carrillo

Fotografía: Claudio Rocha

Sonido: Amanda Villavieja, Yuri Laguna
Música: Michael Nyman, Gerard Pastor

Paul Kossoff (1950-1976)

2011-09-13T12:58:00.004+02:00

Hace tiempo que quiero dedicar un post a este genial guitarrista que nos dejó con apenas 25 años. Para abrir boca este video, muy pronto entraremos más en detalle.

Concierto Magna Modestia + Shotta (HipHop Night Palau '11) - PingbacksFilms

2011-09-06T19:05:00.000+02:00

Exito total de la noche del Hip Hop en Palau-solità i Plegamans

ACDC – Highway to Hell (1979)

2011-08-20T07:55:00.001+02:00

Highway to Hell es uno de aquellos discos que cualquier melómano del hard rock debe tener en su colección, es de lo mejor que se ha publicado nunca dentro de este hard rock que podemos denominar “clásico”.Hay que decir que Highway to Hell es lo último de Bon Scott, uno de los cantantes más carismáticos del rock, sólo seis meses después de la aparición del álbum nos amargaron el día aquel 19 de Febrero de 1980 con la noticia de su muerte en Londres por intoxicación etílica . Aquel día nos dejó Bon y me atrevería a decir que en su mejor momento como cantante. Como todos sabéis lo reemplazó Brian Johnson sobre el que había muchas dudas. No es Bon Scott eso es innegable, pero nunca ha pretendido serlo, hay que decir que su trabajo con los AC/DC está siendo más que digno.

Highway to Hell fue un bombazo nada más salir al mercado y colocó al grupo en el punto de salida para formar parte de los grandes del rock ,al año siguiente con Back in Black alcanzaron ya una solidez que nunca abandonarían. En Highway to Hell no solo Scott estaba en su punto más alto, los hermanos Young además de aportar sus solos característicos brindaron una solidez y uniformidad de canciones que dieron como resultado una colección de temas nunca antes tan redondo. Quien no escucho alguna vez “Highway to Hell” un verdadero clásico roquero conocido en todas partes del mundo con un riff soberbio de Angus Young y un estribillo mas que pegadizo, a este le sigue el trepidante“Girls Got Rhythm” que se combina de maravillas con la voz chillona de Scott para continuar con otros temazos no tan recordados por tanta gente como “Walk All Over You”, “Touch Too Much” y “Beating Around the Bush” . Otros temas que forman parte del album son “Shot Down in Flames”, “If You Want Blood (You’ve Got It)” y mi preferida “Night Prowler”.

El merito de haber formado una colección de canciones tan acertada se debe a Robert John Lange responsable de la mejor época de la banda, gracias a el AC/DC pudo alcanzar niveles desconocidos hasta este momento. Nunca habían sonado tan grandes y habían logrado grabar un verdadero clásico del rock que trascendería años y decadas. Un perfecto legado de Bon Scott .

No pasan quince días sin que escuche uno de los temas de este “grande entre los grandes”.

Tracklist

Highway to Hell
Girls Got Rhythm
Walk All Over You
Touch Too Much
Beating Around the Bush
Shot Down in Flames
Get It Hot
If You Want Blood
Love Hungry Man
Night Prowler

SHOTTA Y MAGNA MODESTIA (28.08.11)

2011-08-17T17:33:00.000+02:00

Para los amantes del rap hay una actuación dentro de la Festa Major de Palau-solità i Plegamans que no se pueden perder, Primero actuará el grupo local "Magna Modestia" que dará paso al "Shotta" , Este último ha despertado gran espectación entre los amantes de este género de todo el Vallés. Será como el cartel indica el 28 de agosto próximo. Animaros y a disfrutar.

David Bowie – Station to Station (1976)

2011-08-09T06:57:00.000+02:00

Camaleónico Bowie. En esta época David desarrolló una nueva personalidad, su verdadera faceta de “Duque Blanco”, abandonando a Ziggy y a su período de Glam Rock . Con su nuevo personaje y metido en el consumo de drogas, Bowie produciría uno de sus trabajos más celebrados de los setenta: Station to Station.

En una ocasión leí que” Bowie demostró todo su genio evolucionando de una manera impresionante. Cuando Young Americans parecía un paso errado, el Duque Blanco supo sacar provecho de su estilo soul y funk para combinarlo con nuevos géneros como el New Wave y Krautrock."
De esta forma, desde el Krautrock creó una canción excelente de larga duración “Station To Station”, muy variada en su evolución a lo largo de los más de diez minutos de audición-. “TVC 15” es el otro clásico , más funky, con un estribillo enérgico y pegadizo.
Con ritmos funk se puede destacar a “Golden Years”. También incluye muy buenas baladas como “Word On A Wing” y “Wild Is The Wind”. Y la mejor para mí es “Stay”, un excelente número semi bailable que mezcla funk con una sección rítmica de guitarra que se definió entonces como New Wave.En Barcelona había una especie de disco-antro que se llamaba “Les enfants terribles” y Stay formaba parte de lo que ahora llamamos “session” en muchas de las tardes o noches que pasamos allí, y la peña bailaba Bowie, Rolling, Free, y lo que les pusieran, eso sí rock, sólo buen rock.
Para mí es un muy buen álbum . Algunos de los seguidores de Bowie como yo lo consideramos el mejor de su carrera. Otros tiran más por su época glam. Otros van más allá y se quedan con la etapa posterior de Low y Heroes. Lo que hace único y especial este Station to Station, es que no hizo más de estas características, es como un puente entre dos épocas, que Bowie realizó de la mejor manera, con un gran disco

Tracklist:

1- Golden Years
2- Word on a wing
3- TVC 15
4- Stay
5- Station to Station
6- Wild is the wind

Neil Young – Zuma (1975)

2011-07-28T22:35:00.000+02:00

Después del oscuro trabajo que fue Tonight’s the Night ,Neil Young volvería a grabar con Crazy Horse en un tono mas comercial. Contó con el guitarrista Frank Sampedro remplazando al desaparecido Danny Whitten. Como resultado poco tiempo después de la edición de Tonight’s the Night , renacía un Neil Young con mayor parecido a discos anteriores como Everybody Knows This Is Nowhere ,que al Young profundo y oscuro, como he dicho antes, que nos sorprendía en sus últimos discos. Eso si, con una calidad musical propia de un genio como Young.

La edición de Zuma nos pone a pensar de cómo es capaz el tío de pasar de un estado a otro , del melancólico Tonight’s the Night al más alegre y optimista Zuma, donde realiza una buena mezcla de un rock country acústico con varios temas de puro hard-rock.
A pesar de la novedad de Frank Sampedro y la más que larga inactividad de Crazy Horse el disco se puede decir que suena más que bien. Como canciones comerciales citaremos Lookin’ for a Love ,Pardon My Heart, y Don’t Cry No Tears ,son un buen complemento a lo mas destacado como el gran “Cortez the Killer”, sobre el conquistador Hernán Cortés, que se convertiría en uno de los clásicos y mejores temas de la enorme carrera de Neil Young. Gran versión por cierto la de Warren Haynes.

Tracklist:

1. Don’t Cry No Tears
2. Danger Bird
3. Pardon My Heart
4. Lookin’ for a Love
5. Barstool Blues
6. Stupid Girl
7. Drive Back
8. Cortez the Killer
9. Through My Sails

Sherlock Holmes 2: Juego de Sombras (Primer Trailer Subtitulado)

2011-07-20T22:41:00.000+02:00

"Sherlock Holmes 2, Juego de Sombras" nos muestra al maestro de los detectives junto a su infaltable colega, el doctor Watson, enfrentando a su peor enemigo : el siniestro Profesor Moriarty. Que Guy Richie haga sus deberes y nos entregue una divertida secuela, tan buena o mejor que su predecesora .

Tintin Trailer #2 (Spielberg 2011) HD

2011-07-20T22:34:00.001+02:00

Ya falta poco.....

Mariona Camats (13)-Concerto nº 1, en la mineur, op. 33, 3ème mov. Camile Saint-Saëns.

2011-07-13T21:01:00.000+02:00

Nuevo video de MARIONA CAMATS, para los muchos seguidores que ya tiene en el blog. En breve confirmaré su asistencia a "Concerts d'estiu a Caseres" (Terra Alta-Tarragona)

QUEEN – Queen (1973)

2011-07-06T19:06:00.002+02:00

Creo que ya es hora de hablar de Queen, y como tuve la suerte de conocerlos desde este su primer disco, voy a comentar lo que me pareció en su día y a lo que supuso la irrupción de Queen en el mundo del rock. Es complicado filosofar de grupos tan conocidos y básicos como ellos. No creo que existan muchas personas a las que les guste la música, que no hayan escuchado una base de piano del grupo, o no hayan cantado un estribillo de Freddy. Quién no ha escuchado alguna vez el We Will Rock You ?

Queen nos ofreció a lo largo de su dilatada carrera, rock de todo tipo, eso sí siempre con una calidad instrumental extraordinaria y como no la maravilla llamada Freddy Mercury que quedará por los siglos de los siglos como uno de los mejores cantantes de rock de la historia.
El grupo gozó ya de una buena promoción de este primer disco Queen, si bien no llegó a consagrarse hasta el tercer trabajo “Sheer Heart Attack”. Particularmente el disco que me enganchó a Queen fue el “Queen II”, (el tema The March of the Black Queen aún hoy es de escucha periódica por mi parte).
Podríamos clasificar este disco como un rock progresivo que ha recogido influencias de todos los grupos de la época con un poco de inquietudes, Led Zeppelin por encima de todos, con unos pasajes instrumentales de lo mejor que se escuchaba en aquel 1973. Tal vez cogió a muchos por sorpresa y esto provocó que el primer single (y creo que único) Keep Yourself Alive fuera un fracaso comercial, a pesar de ser una gran canción que logró gran reconocimiento con el paso del tiempo. Era un sonido, de momento poco accesible al gran público del rock. Canciones como Son And Daughter, que al minuto dos y medio más o menos deja al oyente pasmado con una imagen auditiva desconcertante, impregnando a esta canción de una genialidad fuera de lo normal. Sigue con Great King Rat con un gran corte a los cinco minutos y medio tras el que regresa Mercury para finalizar el tema a lo grande y sentando las bases de lo que era Queen y hasta donde podía llegar. Otro excelente tema es Jesus, donde compiten la voz de Freddy con la gran instrumentación del grupo.
Liar, no merece ni comentario, hay que disfrutarla segundo a segundo. También destacaría la lenta The Night Comes Down,y el rápido Modern Times Rock 'n Roll (cantada por Taylor)

El resto de temas son más flojos, My Fairy King , Seven Seas of Rhye y Doing All Right , aunque no influyen para clasificar al álbum como un gran debut de la banda.

Como leí una vez, no creo que este disco junto con Queen II, sean discos mediocres de los inicios de una banda, más bien al contrario, opino que Queen se dejó ir (escarceos con el pop más comercial) a mitad de su carrera para volver a cotas más altas en el momento que les daba la gana. Por este motivo recomiendo sus tres primeros discos (al cuarto hay que darle de comer aparte) por ser excelentes y mostrar el sonido Queen en su máxima expresión.

El grupo:

Freddie Mercury: Vocal, coros, piano, Órgano electrico.
Brian May: Guitarra acústica, guitarra eléctrica, coros, piano en "Doing All Right".
John Deacon - Bajo.
Roger Taylor - Batería, coros, vocalista en "Modern Times Rock 'n' Roll".

Lista de canciones

1. "Keep Yourself Alive"
2. "Doing All Right"
3. "Great King Rat"
4. "My Fairy King"
5. "Liar"
6. "The Night Comes Down"
7. "Modern Times Rock 'n' Roll"
8. "Son and Daughter"
9. "Jesus"
10. "Seven Seas of Rhye" (Instrumental)

Adiós nonino - A. Piazzola-Banda de Cerdanyola-director:Gerard Pastor (acordió solista: Josep Vila)

2011-07-04T18:17:00.003+02:00

¡Qué bueno baila usted! (Lucrecia + Banda de Cerdanyola(director:Gerard Pastor))

2011-07-04T18:16:00.002+02:00

CONCIERTO EN SANT MARÇAL(Cerdanyola del Vallés)

2011-07-04T18:14:00.001+02:00

Nueva edición del "Concert al Castell" ofrecido por la Banda de l'Agrupació Musical de Cerdanyola del Vallés. Este año dedicado a los ritmos latinos, contó con la colaboración de la cantante cubana Lucrecia, que como indica el programa , nos ofreció un variado repertorio en la segunda parte del concierto.

La Banda volvió a demostrar que va a más, cada año sube un peldaño más arriba. Haciendo un punto y aparte en la actuación de Lucrecia con la Banda, quiero destacar la gran interpretación que hicieron tanto en la primera parte, como el "Ran Kan Kan" del maestro Tito Puente en la segunda. Gran tema que ya había desaparecido en mi memoria y que volvió para mi deleite personal. Esta Banda es cosa seria y no lo digo gratuitamente. Son capaces de emprender cualquier empresa que les pongan por delante.

Ya estamos pendientes de la idea que se les pueda ocurrir para el verano de 2012. Seguro que nos volverán a sorprender y volveremos a ver este salto de calidad que año a año se viene sucediendo.

THE WHO - Live at Leeds (1970)

2011-06-08T23:33:00.001+02:00

Hoy me he decidido, por fin, a poner el que para mi ha sido el mejor directo de la historia del rock.
Navegando por la red, hace un tiempo, leí un comentario sobre este disco en "El portal del Metal" que voy a transcribir íntegro, pues creo que mejor no se puede escribir sobre esta obra maestra.

"Cojan sus instrumentos, enchufen su amplificador de válvulas y pasen de vueltas el control de volumen. Veamos qué tenemos... un cantante salvaje vestido con flecos... un guitarrista espasmódico vestido con un mono... un bajista inmóvil con una técnica apabullante... y un enfermo mental que golpea su batería como si machacara la cabeza de las hordas enemigas.

Pues sí, son los Who en directo, el mejor directo de la historia, dicen. Y digo yo que es cierto. Estamos ante un disco que es un himno, un homenaje, una muestra de por qué el Rock, con mayúsculas, es lo que es. Una descarga sónica de blues y rock'n'roll en su pura y distorsionada esencia. Un diamante nacido de la música, pulido a hachazos de guitarra. Cuatro británicos que van a explicarnos pasito a pasito cómo se tiene que encarar un concierto en directo con voz, guitarra, bajo y batería como si fuera el último acto de fe de toda una generación.
Y es que cuando uno centra su escucha en el anterior trabajo de los Who, el archiconocido y calmado Tommy, y luego oye esto no sabe dónde agazaparse para que no le coja el tren.
La perfecta química de la reinterpretación de clásicos junto a temas propios funciona como un misil. Aquí la ejecución no deja concesión alguna. La guitarra suena dentada como una sierra, con todos sus acoples y su distorsión de puro volumen intacto, según estrictas instrucciones del mismo Townshend a sus técnicos de sonido. Hay una pura tormenta rítmica de Keith Moon y John Entwistle, ambos brutales, y Roger Daltrey, en el mejor momento de su carrera como vocalista, clava por potencia y huevos, más que por técnica, todos y cada uno de los versos del disco.
Los temas más clásicos ("Young Man Blues", "Summertime Blues" y "Shakin' All Over") son reinterpretados a cuchilladas en el estilo Who. En una salvaje furia bluesera, el grupo marcha como la mayor apisonadora que he escuchado nunca y nos regala las que probablemente sean las mejores versiones existentes de estas canciones. Especial vergüenza debería darle al *dios del rock* Mike Ríos la diferencia entre su versión de "Summertime Blues" y ésta. Por los clavos de cristo.
Los temas propios dejan sin respiración. Sólo "Substitute", un tema inmortal de los primeros tiempos de los Who, hace una mínima concesión a la tranquilidad, y aún así a Moon le cuesta contenerse durante su interpretación. Eran años felices, de drogas, conciertos en Woodstock y Wight y los Who, tras Tommy, estaban en las nubes del olimpo de unos 60 que morían sin resistirse aún a la llegada de la horda progresiva. Rock y sólo rock es lo que escupe la banda en las versiones extendidas de "My Generation" y "Magic Bus". La primera, ahoga la canción original en una vibrante interpretación con formas a lo Hendrix, que se acelera y desacelera constantemente comandada por la demencial línea de guitarra, que toma lo mejor de la improvisación del Blues para introducir partes de los temas "See Me, Feel Me", "Listening To You" o "Sparks", convirtiendo estos extractos de Tommy en torbellinos de pura fuerza. "Magic Bus", un tema festivalero como pocos, inicia su progresión hasta convertirse en una nueva demostración de garra del trío instrumentista, con una armónica que araña los riffs del grupo hasta hacerlos sangrar y un rasgueo de bajo que combinado con la aguardentosa voz de Daltrey da luz verde a la furia incontenible de una banda en plenísima forma que nos dejó su legado en forma de ocho temas de una fuerza bluesera impresionante, a los que luego se irían añadiendo otras interpretaciones en dos sucesivas ediciones que aumentarían el número de canciones hasta cubrir todo el recital.
Uno de los mejores directos de la historia, donde se deja claro quién y qué eran los Who y la cantidad de carne que ponían en el asador del "Maximun R&B". ¡Cinco cuernos!"
¿Les apetece un clásico?

The Who:

Roger Daltrey – Voz, armónica.
Pete Townshend – Guitarra, voz.
John Entwistle – Bajo, coros.
Keith Moon – Batería, coros.

Lista de canciones :

1 - Young Man Blues
2 - Substitute
3 - Summertime Blues
4 - Shakin' All Over
5 - My Generation
6 - Magic Bus

L´Avi Arrufi 2005 (Negro) Celler Pinyol

2011-05-30T23:29:00.000+02:00

AÑADA: 2005
D.O.: Terra Alta
Variedades: Cabernet S. (25%), Garnatxa (25%), Merlot (25%), Syrah (15%) i Ull
de llebre (10%).
Tipo de Vino: Vino negro seco.
Crianza: 15 Meses en barricas de roble francés (85%) y americano.
Edad de la viña: 25-50 años
Tipo de suelo: Arcilloso-calcáreo. Pobre en materia orgánica.
Fecha de vendimia: Finales de Septiembre 2005.
Grado: 14.5%
Nota de Cata: Vino de Guarda de color rojo-rubí intenso, borde vivo, de aroma
potente, maduro, finas notas cremosas (cacao) del roble, fondo a fruta madura y
mineral. En boca es potente, concentrado, excelente estructura y gran potencial
frutal. És rico en matices y con un elegante equilibrio de fruta madura i roble.
Premios: Vino premiado en multitud de catas internacionales con Medallas de Oro,
Plata,…. Presente entre los mejores vinos negros del pais en las mejores guias
vínicolas. 92 Punts Wine Advocate R. Parker. 91 Punts PEÑIN 2007.
Tº de Servicio: 16-17º
Tiempo de conservació: Hasta 2015.

CAMPEONES, CAMPEONES, OE, OE, OE........

2011-05-28T23:36:00.000+02:00

THE SCREAM - Let it Scream (1.991)

2011-05-27T06:19:00.001+02:00

Hoy voy a hablaros de un disco del 1991, que yo guardo como oro en paño, y que prácticamente ha quedado en el olvido. Disco de culto para los amantes del hard-rock.

Cuando se disolvió Racer X (Paul Gilbert fue a Mr. Big, Jeff Martin a Badlands y Scott Travis a Judas Priest), los músicos que quedaron colgados, fueron llamados por John Carabi, cantante y guitarrista para formar The Scream. Ellos eran:
Bruce Bouillet(guitarra), Walt Woodward(batería) y John Alderete (bajo).
Grabaron este “Let it Scream” al más puro estilo hard-rock americano, muy parecido a lo que tocaban Aerosmith y compañía, con todas las influencias que estos grupos habían asimilado de los grandes, Zeppelin, Purple, etc.

La verdad es que este gran trabajo pasó sin pena ni gloria por el mundo del rock, que estaba absorto en el grunge. La crítica musical y los colegas de profesión en cambio, lo elevaron a la categoría que merecía.

El disco empieza con Outlaw, tema fuerte y sólido que nos pone en órbita y nos muestra al grupo con todo lo que puede dar. I believe in me, es más “popular” por llamarla de alguna manera, pero suena muy bien. Man in the Moon, tema de corte blues es una de las que más me gusta, será por el aire Zeppelin que lleva. Es muy buena. Father, Mother, Son, es una balada exquisita. Give it Up, es todo fiesta . Never Loved Her Anyway, es de corte country-americana.
Tell me Why da un cambio radical en la línea del disco con la introducción del funky. La verdad es que se atrevían con todo. Con Loves got a hold on me, vuelven al rock divertido y festivo de los grupos de los Angeles. I don't care sube un peldaño en la potencia del grupo. Le sigue Every inch a woman, al más puro estilo del rock and roll.. You are all I need, es una balada que si la hubiesen grabado Aerosmith sería de las que quedan en el recuerdo, una gran y bella canción. Catch me if you can, es el tema que sirve para dar el punto y final a este gran disco.
No grabaron nada más. Poco después Corabi marchó a Mötley Crüe a sustituir a Vince Neil.
Gran disco de hard-rock al más puro estilo americano de los 90

Mr. Big - Smoke On The Water (Back to Budokan)

2011-05-24T23:18:00.001+02:00

Cambio de instrumentos ¡¡¡¡. Resulta curioso ver a Paul Gilbert a la batería.

The Adventures of Tintin - 2011

2011-05-19T20:54:00.000+02:00

ALBOROSIE- Diversity (2008)

2011-05-18T19:55:00.000+02:00

Otro monstruo del reggae, esta vez italiano, ALBOROSIE, canción: "Diversity".
ALBUM: Soul Pirate (2.008)

GENTLEMAN- Help -

2011-05-18T19:47:00.000+02:00

El reggae se hace grande con cantantes y canciones como ésta.
ALBUM: Diversity (2010)

Pearl Jam – Vitalogy (1.994)

2011-05-18T19:34:00.001+02:00

Vitalogy es el tercer álbum de estudio de Pearl Jam, el grupo de grunge liderado por su cantante Eddie Vedder.

Este disco fue lanzado el 22 de noviembre de 1994 por Epic Records. Es el segundo álbum más vendido de Pearl Jam. A pesar de estar hecho en los 90 no tiene grandes efectos ni arreglos que quiten el hipo, quizás por esto gustó tanto este trabajo, por no haber no hay ni solos de guitarra.

“Last Exit” da inicio en gran forma al disco, tema de obligada escucha en sus conciertos de la época.
“Spin the Black Circle” tal vez sea la mejor canción. Es el tipo de canción que mejor saben llevar los Pearl Jam.

“Nothingman” es una de las baladas del disco, para lucimiento de Vedder.
“Whipping” nos devuelve a lo más duro del grupo, buen tema.
“Corduroy” puro Pearl Jam, puro grunge.
“Satan's Bed “ con muy buena interpretación de Vedder y un gran riff. Flotan en el ambiente los Stone.
“Better Man”, la más comercial, no por ello peor.
“Aye Davanita” es una experimentación instrumental de la banda.
“Immortality” es otra balada estilo grunge , posee atractiva melodía acústica.

Para mi es el mejor disco de Pearl Jam y de los que a pesar del paso del tiempo escucho con asiduidad, Recomendable al cien por cien.

GRUPO:

Eddie Vedder: Cantante, guitarra, acordeón
Stone Gossard: Guitarra, voces, mellotron
Mike McCready: Guitarra, voces, guitarra slide
Jack Irons: Batería en "Hey Foxymophandlemama, That's Me"
Dave Abbruzzese: Batería
Jeff Ament: Bajo, contrabajo, voces, fotografía en blanco y negro
Jimmy Shoaf: Batería en "Satan's Bed".

AEROSMITH – Toys in the attic (1975)

2011-05-01T07:50:00.000+02:00

“Toys in the Attic” fue el tercer disco de Aerosmith. Es uno de los discos más influyentes del Rock y de escucha obligada a los amantes del género,que supuso la confirmación de Aerosmith como una de las mejores y más grandes bandas de de la historia.

El álbum pertenece a la primera etapa de la banda, la de los 70’ y los creadores de esta obra maestra fueron: Steven Tyler(voz), Joe Perry (guitarra), Brad Whitford (guitarra rítmica), Tom Hamilton (bajo) y Joey Kramer (batería).

El disco empieza con fuerza con un explosivo riff que mezcla el Hard con el Rock & Roll y que nos da a entender lo que va a venir detrás. La canción es Toys in the Attic (al igual que el disco) y es una rápida canción que con los años se convertiría en uno de sus muchos temas insignia. Ideal para empezar un disco de este palo.
Uncle Salty, es una canción fuera del contexto del álbum, pero no está fuera de sitio, nos relaja tras el impacto del primer tema. Sin duda una canción indispensable.
Adam’s Apple, buenísima en el más puro estilo de la banda, con solos de Joe Perry, sin grandes alardes, con la calidad por encima de todo.
Walk this Way, es sencillamente perfecta, posee uno de los mejores riffs de la historia del Rock. Es muy funky y rocanrolero, con unas armonías a dos guitarras que suenan realmente fabulosas y con unos solos que encajan a la perfección.
Big ten inch record, es una versión de una canción de Blues-Rock de los años 50.
Sweet Emotion. La canción empieza con el gran riff de bajo de Tom Hamilton, mientras de fondo se van sucediendo varios efectos con la guitarra, para así poder crear ese ambiente en el cual nos van introduciendo. Se van sucediendo riffs a saco y nos hace disfrutar de su escucha de principio a fin. Brillante, para mi de las mejores canciones de hard-rock de todos los tiempos.
More No More: otra pasada de canción.Toda es perfecta, adestacar el gran solo de Joe Perry.
Round and Round. Esta canción me atrevería a decir que ya es Heavy Metal. El solo lo ejecuta Brad Whitford, más oscuro que Joe, Brad era más metalero, mientras que Joe era más blues-rock-hard.
You See Me Crying, es una gran balada que da un broche de oro a esta obra maestra.

El que no lo haya escuchado nunca entero, que lo haga. Hacedme caso pero, repito “entero”, que estamos atravesando una época de escuchar canciones y no albums. Cuando algún colega me pone un cd para escuchar, todo son recopilaciones personales, Dos canciones de Led Zeppelin, una de Pink Floyd, otra de Stevie Ray Vaughan, etc ,etc. Yo quizás estoy hecho a la antigüa, pero donde esté la audición de todo un álbum que se quite todo lo demás.

COLD BLOOD, Lydia Pense(Cold Blood-1969- Sisyphus-1970- First taste of sin-1972).

2011-04-24T06:23:00.003+02:00

Hoy quiero dedicar un post a una de las grandes cantantes de los setenta, Lydia Pense y a su grupo Cold Blood

Esta banda se formó allá por 1968 en Frisco (California). Lydia tenía una gran voz, un físico que me atrevo a decir, superaba a la gran Janis, pero sea por lo que sea siempre estuvo a la sombra de “la bruja kósmica”, sería por carisma, imagen, no sé. Lo cierto es que es una de las grandes olvidadas por haber coincidido en el tiempo con Janis Joplin.

Para escuchar sus canciones os dejo los tres primeros discos, que para mí forman una trilogía fundamental. Buen blues cantado con una gran banda detrás.

Cuando habléis de las grandes cantantes de los 70, no os olvidéis ya de Lydia Pense.
Aquí os dejo un par de videos.

http://www.youtube.com/watch?v=fds9ZQU5T8c&feature=player_embedded

http://youtu.be/hVVc0KKmCP0

IMAGENES DEL SOMONTANO -2011-

2011-04-20T07:00:00.002+02:00

Bodega Viñas del Vero

Alquézar

Alquézar (Casco antigüo)

Bodega Blecua

WARREN HAYNES - Man in motion (2011)

2011-04-17T06:29:00.001+02:00

Que más se puede decir de este genio, sólo que el disco es una pasada desde el primer tema, hasta el final. Acompañado por músicos de New Orleans (se nota) nos regala un gran disco con el sello característico de Warren pasando esta vez por el soul y sonidos funky. A cada aparición me sorprende más. Buenos coros, buenos músicos, bueno Warren, bueno.............

En Carolina del Norte en 1960 se produjo un milagro, nació Warren.

Tracklist:

1. Man In Motion (07:54)
2. RiverÂ’s Gonna Rise (06:53)
3. Everyday Will Be Like A Holiday (05:31)
4. Sick Of My Shadow (06:59)
5. Your Wildest Dreams (07:20)
6. On A Real Lonely Night (07:40)
7. Hattiesburg Hustle (06:35)
8. A Friend To You (05:46)
9. Take A Bullet (05:27)
10. Save Me (06:16)

BLACK LABEL SOCIETY: "THE SONG REMAINS NOT THE SAME" (2011)

2011-04-13T23:42:00.001+02:00

1. Overlord (Unplugged version)

2. Parade Of The Dead (Unplugged version)

3. Riders Of The Damned (Unplugged version)

4. Darkest Days (Unplugged version)

5. Juniors Eyes

6. Helpless

7. Bridge Over Troubled Water

8. Can't Find My Way Home

9. Darkest Days (featuring John Rich)

10. The First Noel

Saldrá a la venta el próximo 3 de Mayo

Tarantella de D. Popper, Mariona Camats (13)

2011-04-12T16:32:00.002+02:00

Mariona Camats y Gerard Pastor en La Garriga

Viñas del Vero- Gerwürztraminer 2010

2011-04-11T20:17:00.001+02:00

Este pasado fin de semana y aprovechando unos “regalitos” por nuestros cumpleaños, nos fuimos Conchi y yo a la zona del Somontano. Visitamos entre otras cosas, las Bodegas de Viñas del Vero (visita a las viñas, bodegas, degustación de vinos y obsequio de una botella de “Gran Vos” reserva 2004).

La verdad es que nos encantó, pasamos algo más de dos horas de lo más relajados, escuchando al guía , que nos condujo por todas las instalaciones tanto de Blecua como de Viñas del Vero.
Con este motivo voy a comentar un vino que creo gustará a todos y más con el calor que ya se avecina.

Variedad de uva: Gerwürztraminer 100%
Bodega: Viñas del Vero
Denominación de Origen: Somontano
Graduación: 13’5%
Temperatura de servicio: 10°C
Vista: Color oro pálido,brillante.
Nariz: Intenso en aromas. Notas florales, donde destaca la rosa blanca, y frutales a plátano, recuerdos a mandarina y níspero.Se notan ligeros toques de especias que van aumentando a medida que pasa el tiempo en botella.
Boca: La frescura y la frutalidad continúan en boca. Notas de almibar.
Maridaje: Surtido de quesos fuertes(Roquefort, azul, cabrales,....) , salmón ahumado y mariscos.
Precio Medio: 9,50 - 11,00 €

FOREVER CHANGES (Love, Elektra, 1967)

2011-04-10T06:57:00.014+02:00

Love es el nombre de una banda de Rock estadounidense de finales de los 60 y principios de los 70, que estuvo encabezada por el cantante, guitarrista y compositor Arthur Lee y el segundo compositor del grupo, el guitarrista Brian MacLean. Fue una de las primeras bandas "multiétnicas" americanas, y su música reflejó un notable rango de influencias, combinando elementos rock, Folk Rock y psicodélicos. Su álbum de 1967 Forever Changes es uno de los discos clave de la historia del rock.

La banda se comprometió con el sello Elektra Records, y lograron su primer éxito con el sencillo de 1966 "My Little Red Book", versión propia del tema de Burt Bacharach.
Forever Changes fue publicado en noviembre de 1967. El disco incluía un sencillo (single) escrito por MacLean, Alone Again Or. El disco es considerado como uno de los grandes álbumes psicodélicos de todos los tiempos por muchos críticos.
MacLean, quien sufría la adicción a la heroína, pronto abandonó la banda. Arthur Lee y Love continuaron con la banda hasta que ésta se deshizo a finales de los años 70.
Tras pasar un tiempo en prisión durante los años 90, Arthur Lee empezó a tocar canciones clásicas de Love con una nueva banda, y se fueron de gira hasta el año 2005. Dicha banda incluía al guitarrista original Johnny Echols.
Debido a la falta de fiabilidad de Arthur Lee, fue despedido por su banda en agosto de 2005. Continuaron su gira, pasando a denominarse a sí mismos como la Love Band.

Al escuchar Forever Changes muchos años después de haber sido editado es posible darse cuenta de cuáles fueron los factores que impidieron que su música calara en la juventud de su época. Era un disco impropio para aquellos años en que la psicodelia pedía una definición mucho más arriesgada en la experimentación de nuevos sonidos: en este álbum no existe nada "exótico" en el sentido de que nadie encontrará ningún instrumento fuera de los usados en cualquier estudio ; tampoco hay efectos sonoros conseguidos a través de loops de cintas y arreglos especiales, ni menos canciones larguísimas e hipnóticas que se apoyan en solos de guitarra interminables. Todo suena como debe sonar según los cánones de una buena producción , pero esto no quiere decir que Forever Changes no pretenda ser innovador, y lo es en la medida en que la estructura de las canciones es flexible, no está prefijada por estrofas, coros e intermedios más o menos al uso en una canción pop, sino que apuesta por un estilo musical ligado al concepto del collage y por el final impredecible. Por lo demás, la orquestación de los temas fue una temeridad para un grupo que provenía de las canteras del hippismo y que se había destacado por ser más duro y rocanrolero que los Byrds.
Para mi fué un descubrimiento tardío, cuando apareció tenía sólo once años y no estaba aún por la labor. Un amigo de Universidad me lo dejó allá por 1974 y a pesar de que entonces estaba flipado con Led Zeppelin, Deep Purple y compañía, no pude más que decirle a mi colega que era un gran disco "antigüo" pero gran disco. Hoy en día todavía lo escucho en ocasiones especiales.

Tchaikovsky. Concierto para Violín. Variaciones Rococó. Kirill Kondrashin. David Oistrakh, Violín. USSR Symphony Orchestra. Gennady Rozhdestvensky. Mstislav Rostropovich, Violonchelo. Orquesta Filarmónica de Leningrado. 1957. 1963.

2011-04-06T06:51:00.003+02:00

Hoy os quiero dejar dos de las obras más bellas de Tchaikovsky, el precioso Concierto para Violín y la no menos bella obra, las Variaciones sobre un Tema Rococó. Los intérpretes, los excepcionales directores Kirill Kondrashin y Gennady Rodhdestensky junto a unos solistas de envergadura, David Oistrakh al violín y Mstislav Rostropovich al chelo. En las dos grabaciones están presentes unas orquestas de primer nivel, con amplia experiencia en la interpretación de Tchaikovsky, alcanzando un altísimo nivel en estas grabaciones en concreto.

Poco puedo añadir para intentar transmitir con palabras la enorme belleza que encierran ambas obras. El Concierto para Violín de Tchaikovsky es una de las obras musicales más bellas y emotivas jamás escritas y en particular, dentro de las páginas escritas para el instrumento, creo, sinceramente, que es de las más grandes y logradas. Hay pocos conciertos para violín que reunan belleza, sonoridad maravillosa, melodía, técnica y emotividad de manera tan perfecta como lo hace este de Tchaikovsky.
La aproximación al Concierto para Violín que realiza Oistrakh es simplemente maravillosa, sencillamente apabullante en su técnica, con una calidez sonora que pocos han podido igualar y con una capacidad de traducir esas notas, imprimiendo carácter y emoción, fuera del alcance de la gran mayoría de violinistas. En el acompañamiento orquestal tenemos al genial maestro Kondrashin que logra imprimir a la orquesta calidez, sensualidad, fuerza y de obtener de ella unas prestaciones técnicas soberbias y una sonoridad orquestal sensacional.
En conjunto me atrevería a decir que es una de las interpretaciones de este concierto más bellas que jamás haya escuchado. Me llena de placer su audición, disfruto enormemente descubriendo matices nuevos en ella, me encanta ese violín sedoso y cálido de Oistrakh, me impresiona la calidez y belleza de la orquesta y me sigue pareciendo soberbia la dirección de Kondrashin.

Muy semejantes palabras podría emplear para describirles la interpretación de esa sensacional obra maestra que es Las Variaciones Rococó. Obra preciosista y sencillamente maravillosa del violonchelo, encuentra en Rozhdestvensky y en Rostropovich dos pilares geniales para su transcripción.
Las Variaciones Rococó fueron compuestas en el año 1876 poco después de la Fantasía Sinfónica Francesca da Rimini. Fue dedicada al profesor del conservatorio de Moscú Wilhelm Fitzenhagen quien también fue el responsable del estreno el 30 de noviembre de 1877. La obra tiene un corte clásico marcado que tras una introducción orquestal y un tema inicial expuesto por el chelo se desarrolla a través de variaciones separadas por intervenciones solistas e interludios orquestales bellísimos.
En su conjunto resulta de una gran belleza sonora, emotiva y expresiva. Rostropovich muestra su maravillosa capacidad de expresión musical y su técnica es, sencillamente, impresionante. Sus matices y sonoridades son de una calidez soberbia y su musicalidad preciosa. Rozhdestvensky acompaña de manera fantástica y junto a ese instrumento prodigioso que es la Filarmónica de Leningrado hacen de esta interpretación una verdadera joya. (Del blog "Sentidos")

Tchaikovsky

Concierto para Violín
Variaciones Rococó
Kirill Kondrashin, David Oistrakh, Violín. USSR Symphony Orchestra
Gennady Rozhdestvensky, Mstislav Rostropovich, Violonchelo. Orquesta Filarmónica de Leningrado
1957 y 1963

JEFF BECK: "Rock And Roll party to honor Les Paul" (2011)

2011-03-29T10:42:00.001+02:00

Poco podemos comentar a estas alturas de lo que es capaz de hacer Jeff Beck. Durante el verano pasado grabó un concierto en homenaje al legendario guitarrista Les Paul. Como bien dice el título es una gran fiesta del Rock And Roll, donde hay cabida para todos los estilos, el swing, el blues e incluso el jazz, con atmósferas propias de club, sobre todo en las cantadas por la magnífica Imelda May. Tambíén tenemos a Brian Setzer ofreciendo junto a Beck una excelente versión del tema de Cochran "Twenty Flight Rock".

Interviene gente como "Trombone" Shorty y Gary U.S. Bonds, ofreciéndonos lo que siempre debería ser un concierto de Rock And Roll, fiesta y diversión.
Un homenaje a Les Paul, hecho desde el corazón y con todo el sentimiento del mundo. Un gran disco del que no paro de escuchar los cortes 18 y 19 cantados por la maravillosa irlandesa Imelda May, una cantante que dará mucho que hablar

CD 1 (Concierto Tributo a Les Paul)

1. Double Talking Baby (feat. Darrel Higham) 2:08
2. Crusin’ (feat. Darrel Higham) 2:13
3. The Train It Kept A Rollin’ (feat. Darrel Higham) 2:36
4. Cry Me A River (feat. Imelda May And Jason Rebello) 2:46
5. How High The Moon (feat. Imelda May) 2:10
6. Sitting On Top Of The World (feat. Imelda May) 2:23
7. Bye Bye Blues (feat. Imelda May) 2:12
8. The World Is Waiting For The Sunrise (feat. Imelda May) 2:21
9. Vaya Con Dios (feat. Imelda May) 2:57
10. Mockin’ Bird Hill (feat. Imelda May) 2:23
11. I’m A Fool To Care (feat. Imelda May) 2:59
12. Tiger Rag (feat. Imelda May) 2:22
13. Peter Gunn (feat. Jason Rebello And Trombone Shorty) 4:49
14. Rocking Is Our Business (feat. Darrel Highham, Jason Rebello And Trombone Shorty) 3:38
15. Apache 3:07
16. Sleep Walk 2:50
17. New Orleans (feat. Gary U.S. Bonds And Jason Rebello) 4:34
18. Walking In The Sand (feat. Imelda May and Jason Rebello) 4:39
19. Please Mr. Jailor (feat. Imelda May) 4:54
20. Twenty Flight Rock (feat. Brian Setzer) 3:44

CD 2 (Directo desde el Museo del Grammy)

01. Corpus Christi Carol 3:17
02. Hammerhead 4:30
03. Over The Rainbow 3:10
04. Brush With The Blues 6:05
05. A Day In The Life 4:57
06. Nessun Dorma 3:14
07. How High The Moon 2:05
08. People Get Ready 4:48

MARIONA CAMATS (La Garriga, Barcelona-25-03-2011)

2011-03-26T03:09:00.002+01:00

Primer recital en solitario, de esta joven promesa de la música, y que lugar mejor para hacerlo que en su localidad natal, La Garriga.
Acompañada por el pianista Gerard Pastor, Mariona ha deleitado y yo diría que sorprendido, a los asistentes al concierto. Los que ya la habíamos escuchado , confirmamos nuestra creciente admiración por esta joven de sólo trece años. Ahora bien, observando al público asistente me he dado cuenta que habían ido a ver a una niña que tocaría el violonchelo más o menos bien de acuerdo a su edad. Evidentemente a los dos minutos no salían de su asombro. Con una gran personalidad en el escenario ha ido desgranando poco a poco todas las obras del repertorio. Decir cual ha sido la mejor sería difícil, yo dentro de mi "ignorancia", me quedo con "Requiebros" en la que he notado tal vez, un dominio total de la obra.
Entre la segunda y tercera obra, Gerard Pastor nos ha ofrecido la maravillosa "La Leggierezza" de Liszt, que ha servido de pequeño relax, antes de afrontar la parte final del concierto.
Aplaudidos con ganas y agradecimiento, no se han hecho de rogar para ofrecernos un bis. Finalmente Mariona ha interpretado sola, "el cant dels ocells" , un gran final, para un gran concierto.
Aire fresco para la música, amigos, la joven Mariona(13) y Gerard(26) son un claro exponente de lo que el trabajo y el amor por el arte musical pueden llegar a conseguir.
A seguir así, seguro que mucha gente lo agradecerá y a ser ejemplo para otros que quizás a través de la música encuentren horizontes que ahora ven muy lejanos.

Mariona Camats, con doce años. Piano Gerard Pastor

Jorma Kaukonen with Tom Hobson-QUAH (1974)

2011-03-24T06:28:00.002+01:00

Quah es totalmente acústico, y a lo sumo algunos arreglos con violines en contadas ocasiones. No busquéis ningún instrumento más. El disco es un deleite para los oídos.

Quah es el debut en solitario de Jorma Kaukonen (guitar/vocal) publicado poco después la disolución de Jefferson Airplane en 1974. Kaukonen volvio de nuevo a sus raíces de folk (así lo han clasificado, aunque no le veo el folk por ningún lado) junto con el cantante Tom Hobson , quién contribuye en "Blue prelude" y en la "Sweet hawaiana Sunshine" , para crear este magnifico disco acústico.
Mucho de lo sorprendente del álbum es la similitud con las últimas contribuciones que hizo Kaukonen para Jefferson. "Third Week at the Chelsea”," Genesis”, "Flying Clouds”, y "Song for the North Star", son una muestra. Asimismo, su admiración para la gente del Gospel – influyo mas tarde en el primer trabajo de Hot Tuna. La voz de Tom Hobson está aparte de la de Kaukonen, en las dos canciones citadas arriba.
En 1987 Relix Magazine publicó un nº muy limitado de Quah en CD. Lamentablemente, no se hizo más; y a eso se le unió la retirada de las copias usadas de vinilo, con lo que la dificultad de encontrar una copia es evidente. Afortunadamente se editó este cd con varios bonus.
Este disco es intemporal y estuvo subestimado. El que lo escucha creerme que lo hará muchas veces.
Mi tema favorito es “Hamar Promenade”, lo encuentro perfecto.
Le pondré la etiqueta de disco folk para seguir el criterio general. A la que se oye una guitarra acústica y un sonido “americano” , rápidamente es folk. Pero no voy a entrar en lo que es o no es. Si por mi fuera seguiría la idea de Miles Davis que dijo que la música es eso, música simplemente. Lo de rock, jazz, folk, pop, …….son inventos de los hombres que no van a ninguna parte.

Tom Hobson Vocals
Jorma Kaukonen Guitar, Vocals

The Allman Brothers Band Midnight Rider

2011-03-22T17:21:00.001+01:00

Un amigo me pidió esta canción en el blog. Ahí está, una buena versión.

BLACK LABEL SOCIETY (RAZZMATAZZ , Barcelona 19-03-11)

2011-03-20T23:44:00.003+01:00

Mucha expectación había despertado esta nueva visita de Zakk Wylde y compañía, y junto a un grupo de amigos nos dispusimos a disfrutar de lo que prometía ser una jornada inolvidable.

Ya lo creo que fue inolvidable. Primero aparecieron los Godsized que nos pusieron en situación en un instante, fuertes, directos . Ya nos dimos cuenta que la acústica del local dejaba mucho que desear. El grupo cumplió y con la esperanza de que los técnicos pulirían el sonido esperamos la aparición del gran Zakk. Con un inicio de concierto bastante cutre arrancaron los Black Label Society, y amigos míos, el sonido no sólo no mejoró sino que fue a peor, menos mal que la mitad de los Marshall estaban de decoración que si llegan a sonar todos vamos directos al otorrino. Es igual pensamos, es Zakk y seguro que podrá conseguir que nos olvidemos del puto mal sonido.

Vaya decepción, fue a la faena, hora y media escasa con unas interpretaciones sin chicha ni limoná. No empezó a conectar con el público hasta la sexta canción. Los solos no tuvieron la brillantez de la vez anterior en la sala Bikini, donde lo único malo fué que nos metía uno en cada tema y a la cuarta o quinta canción la peña estaba hasta el moño de solos. Su interminable solo en tres partes se hizo pesado y no sonó a nada, solamente parecía decirnos “mirad lo bien que toco”, (que ya lo sabemos todos). .Aparte encuentro un exceso de posturitas de divo del rock, de las que creo que un personaje de su pretendido nivel debe prescindir, Demasiado egocentrista nos dejó a casi todos con una cara de tontos que daba gloria verlas. Vaya petardada de concierto. A mi sobrino Pau le faltó el canto de un duro para salir pitando del local para tomarse unas birras y aprovechar mejor la tarde.
Guardaré sus discos, los escucharé siempre, ha dejado grandes cosas, pero este tío ya no avanza más. Su fórmula de mezcla entre Pantera y Black Sabbath ha dejado de funcionar. De las baladas es mejor no hablar, por suerte sólo nos ofreció una (de lo mejor que tiene) pero últimamente ha grabado demasiadas sin ninguna calidad, aparte no puede estar siempre basándose en Beatles y Elton John, falta originalidad. No puede darnos cualquier cosa sólo porque la firme Zakk Wylde, hay que currar más . Si bien en la anterior actuación en Bikini no hizo nada del otro mundo, al menos estaba más agil y suplió el repertorio hecho totalmente a bolillo con una puesta en escena más dinámica, sin tirar cohetes salí más satisfecho. Está gordo en exceso y eso le merma a la hora de hacer el show.
Los incondicionales se lo pasaron en grande y se lo perdonaron todo, pero cuando acabó el concierto no hubo prácticamente peticiones de bis. Seguramente al llegar a casa despertaron y se dieron cuenta de lo que habían presenciado.
En los últimos años , según mi particular punto de vista, que no se enfade nadie, sus discos están demasiado llenos de canciones relleno, faltan auténticos temazos.
En fin, no quiero darle más caña a un personaje al que he admirado siempre, ya salí un poco mosca de Bikini pero esta vez…………..

CRY OF LOVE: "Brother" (1993)

2011-03-19T07:40:00.003+01:00

Nos encontramos en el año 1993 donde el grunge es el dueño y señor del cotarro. Cry of Love es otro de los grupos olvidados y que pasó desapercibido en el mundo de la música. Eran muy buenos, pero no era su momento. Podemos dar gracias que en esa tormenta de Seattle, nuestros queridos Black Crowes supieron salvarse de ella, editando unos discos geniales que perdurarán por siempre jamás.
Cry of Love no tuvo esa suerte. Por supuesto, no llegan al nivel de los hermanos Robinson pero no cabe duda que este “Brother” bien se merece un pequeño homenaje en este blog, como ya he leido en otros.Este disco sigue sonando tan fresco como el primer día.
En este grupo encontramos a Audley Freed, el auténtico alma y fundador de esta banda de North Carolina, que más tarde (después de sacar su segundo disco "Diamonds and Debris"(1997) ) remplazaría durante una temporada al gran Marc Ford en los Crowes y su currículum se vería ostensiblemente mejorado. Con los Crowes hizo gira por USA,Europa y Asia, y grabó el disco Lions. Además compartió con ellos la aventura con Jimmy Page "Live at the Greek".
El bajista pasó a formar parte de Lynyrd Skynyrd.

Destacaría “Too cold in the winter”, “Peace pie” o “Bad Thing”,(excelente); “Highway Jones”, “Saving grace” o “Carnaval”, no les van a la zaga..

GREGG ALLMAN: "LOW COUNTRY BLUES".(2010)

2011-03-14T07:47:00.002+01:00

El disco se grabó en 11 días. Fue producido por T. Bone Burnett y Gregg Allman que se entendieron a las mil maravillas.enseguida congeniaron, Burnett llegó al estudio con un pack de 10.000 temas de blues antigüo y de aquí salieron 15 canciones, que finalmente se convertirían en estas 12 que componen el álbum, muchas grabadas a la primera o segunda toma.

“Low Country Blues”, nombre de una zona geográfica de la costa de Georgia, de donde viene el propio Allman, es un disco repleto de buen blues mezclado con country y soul. Son 11 versiones y un tema propio, escrito con Warren Haynes.
Si una tarde de esas lluviosas no os apetece salir de casa, es la excusa perfecta para adentrarnos en esta maravilla.. Desde “Floating Bridge”, versión de Sleepy John Estes, es un disco que parece ser de tiempos pasados. “Little by Little” de Junior Wells es un delicioso blues de siempre que nos va dando el clima necesario para seguir con la escucha. Continúa con“Devil got my woman”. “I can’t be satisfied” de Muddy Waters es el único tema del disco que quiso poner Gregg por cuenta propia, junto a “Just another rider” escrita con Warren, que suena a Haynes por los cuatro costados.
Leyendo varias críticas de este disco coincide todo el mundo en que la perla es “Blind man” de Bobby Bland, donde la voz de Gregg suena a lo grande, muchos recuerdos salen a la luz. Sigue “Please accept my love” de BB King.
La siguiente es “I believe I’ll go back home” de corte más country. “Tears, tears, tears” de Amos Milburn es otro blues de corte Allman Brothers. Más blues, “My love is your love” de Samuel Maghett . “Checking on my baby” de Otis Rush otro blues para oir la voz de Gregg y disfrutar. El punto y final es “Rolling Stone”, más que acertado final, todo un clásico.

Tracklist:

1. Floating Bridge (Sleepy John Estes)
2. Little By Little (Junior Wells)
3. Devil Got My Woman (Skip James)
4. I Can’t Be Satisfied (Muddy Waters)
5. Blind Man (Bobby Bland)
6. Just Another Rider (Gregg Allman & Warren Haynes)
7. Please Accept My Love (BB King)
8. I Believe I’ll Go Back Home (Traditional)
9. Tears Tears Tears (Amos Milburn)
10. My Love is Your Love (Samuel Maghett)
11. Checking On My Baby (Otis Rush)
12. Rolling Stone (Traditional

THE STEEPWATER BAND "Live at the Double Door" 2010

2011-03-10T07:01:00.003+01:00

The Steepwater Band es un grupo cojonudo. Sus discos dan perfecta prueba de ello, Grace & Melody , Revelation Sunday y su último EP publicado el año pasado con ese sencillo realmente espectacular “ The Stars Look Good Tonight”. Pero con este directo editado con el nombre de "Live at the Double Door" , The Steepwater Band se pronuncia como uno de los trios de blues rock más importantes de los últimos años. Es un directo con una marcha super enérgica. Es una maravilla en todos sus cortes. Es un directo, pues eso, directo tal y como salió. Temas a destacar (todos), por citar alguno, me quedo con “ Waiting to be Ofended” , “Revelation Sunday” y “World keeps movin’ on”.

Un disco muy completo que allá por los 70, hubiese sido una bomba, pero ya se sabe, ahora esta música no vende como antaño y se han de conformar en tocar y grabar en locales de poco aforo del estilo del Apolo o la Sala Heyneken. Una lástima, pero hay que conformarse con lo que hay.

La banda:
Jeff Massey
Tod Bowers
Joe Winters

Tracklist:
1. Indiana Line
2. Roadblock
3. Fire Away
4. Revelation Sunday
5. Dance Me a Number
6. Healer
7. All the Way To Nowhere
8. Baby, You're On Your Own
9. A Lot of Love Around
10. Lord Knows
11. Steel Sky
12. One Way Ride
13. World Keeps Moving On
14. The Stars Look Good Tonight

Rush - Here Again

2011-03-07T18:24:00.001+01:00

ZAKK WYLDE: "Bringing Metal To The Children".

2011-03-05T23:05:00.000+01:00

ZAKK WYLDE

El próximo 10 de mayo se pondrá a la venta "Bring Metal to the Children", un libro sobre la gloria, el libertinaje y el caos en general. Un vistazo a la vida en la carretera y sus técnicas de supervivencia día tras día.

Pero para ello habrá que pasar el test del verdadero rocker, es decir, "true rocker test" (TRT), donde los lectores tendrán que responder a diversas preguntas para determinar si pasas el test y puedes seguir leyendo.
Entre las historias que encontraremos en el libro se incluyen noches salvajes con gente como Rob Zombie, Eddie Van Halen, Dimebag Darrell, Mike Inez (Alice in Chains), Snake Sabo (Skid Row) Lars Ulrich; con luchadores profesionales como Chris Jericho, Bubba Dudley y Stone Cold Steve Austin, UFC; con el ex campeón de peso semipesado Forrest Griffin, y por supuesto con el padrino del metal, Ozzy Osbourne.

Bruckner. Sinfonía nº 4. Sergiu Celibidache. Münchner Philharmoniker. 1993.(Blog “Sentidos” de J. Salvador)

2011-03-05T07:41:00.002+01:00

Queridos amigos. Alejado unos días de la publicación por algunos motivos de salud he tenido la oportunidad de "degustar" el disco que os dejo.

Sólo quiero decirles que hacía tiempo que no disfrutaba tanto con la audición de un disco de música en general y de Bruckner en particular, como he tenido la oportunidad de nuevo de hacerlo con la escucha de este extraordinario registro privado de Celibidache en Japón. Les rogaría que admirasen la absoluta maestría de Celibidache, absoluta repito, su excepcional forma de conducir el templo sonoro de la obra, la magnífica forma de edificarlo a la par que simplificarlo para un gozo absoluto de pura belleza musical.
La sonoridad espectacular de la Münchner Philharmoniker está a la par de cualquiera otra de las grandes orquestas mundiales (¡cómo los impulsaba ese genio de la dirección!); soberbia, riquísima en timbre y colores, intensísima, clarísima en todos sus pasajes instrumentales solistas, compactada en los momentos de conjunto. La manera tan delicada de mantener unos tempos imposibles para cualquier otro director hace de su escucha un placer sonoro único.
Si tras escuchar el último movimiento (quizá la joya de la corona dentro de un tesoro total) no están prendados, maravillados y atrapados en una nube mágica, perdónenme, pero pensaría que algo falta en sus corazones.
En un disco soberbio, excepcional, único e irrepetible. Una absoluta joya de la música grabada.
Espero que gocen de ella cómo yo he hecho. Creo que no van a sentirse defraudados.

(Del magnífico blog “Sentidos” de Julio Salvador)

Mike Farris & The Roseland Rhythm Revue - Shout! Live (2009)

2011-02-25T08:38:00.000+01:00

Una grabación de Mike Farris, Shout! Live, una grabación en vivo capturada en el legendario Hotel Station es una claro ejemplo de lo que aporta a la música en directo en el mundo. En palabras de Farris "es como estar atado a la parte frontal de un tren de carga" y no hay que parar. En los dos años transcurridos desde Salvation In Lights (anterior grabación), tras presentaciones en vivo de Farris en todo USA, incluyendo Bonnaroo, SXSW, Austin City Limits Festival, y estrictamente Hardly Strictly Bluegrass Festival, han dejado a los principiantes la música, los aficionados y artistas experimentados con la misma respuesta impresionante: golpeados. Sus shows en vivo, en gran parte, ha llevado a este veterano de la música llevarse a casa el Americana Music Award en el 2008 "New/Emerging Artist of the Year.". Peter Frampton, Buddy Miller, Patty Griffin, Ricky Skaggs, Bruce Hornsby, Jackson Browne, Marty Stuart y muchos otros artistas han tomado nota de la interpretación vocal incomparable de Farris. A decir verdad, ese don, ese tipo de autenticidad teniendo alma, donde el cantante se convierte en uno con la canción, es el resultado de una lucha muy reñida. Al igual que muchos de los propios héroes musicales de Farris, de Son House, Staples Pop, y Mahalia Jackson a Coltrane, Cooke, a Jimmie Rodgers, Louis Armstrong y los hermanos Vaughan (para quien Farris pasó una temporada en Double Trouble) . Sólo esta vez, la canción en sí es antigua. Un matrimonio de gospel negro tradicional, soul Stax 70 y el blues del sur, Farris es incluso más fuerte que reveló en su debut en solitario de 2003, Goodnight dom Su voz innegable, sus arreglos y quizás el más hábil de todos, la alegría y la pasión con la que proporciona tanto, dar nueva vida a los spirituals ya olvidados y los originales de época-y, excavación de tesoros de incalculable valor.

Mucho tendrán que sorprender los demás trabajos que se vayan a editar a lo largo de los años y superar este poderoso directo del gran Mike. Lo llevan muy crudo pero espero por el bien y el gozo de todos que los Crowes o Neil Young y compañía estén como mínimo a la altura.

Acompañado de una extraordinaria banda de músicos llamada Roseland Rhythm Revue y unas coristas de color con unas voces sorprendentes de nombre Mc Crazy Sisters, aquí está servido el mejor directo en años con permiso de la gran señora Mavis Staples.

Tal vez el único pero sea que tiene pocas canciones y te sabe tan poco que este directo debería ser doble o triple como en los buenos tiempos. Pero, para qué nos vamos a lamentar con este pedazo de obra, debemos disfrutar de ella con cada nota, con cada segundo…esto es oro!! Sin ir más lejos, escucho ese gospel añejo como es “Will the circle be unbroken” o la versión espeluznante de Nahalia Jackson “Trouble of the World” y me digo que esto es celestial y divino.

Un disco para oírlo cien veces y no cansarte.

(parte del comentario extraido de Rockland)

RADIO JUVENTUD DE BARCELONA

2011-02-21T18:30:00.000+01:00

Hoy quiero rendir un homenaje a Radio Juventud de Barcelona. Cuantos recuerdos me vienen a la cabeza.

Sin profundizar mucho citaré los primeros nombres que salen de mi memoria:
JOSE MARÍA BACHS y su programa “Quisicosas”, de lo mejor que se ha hecho en radio.
JUAN COMELLA, JOSE MARÍA PALLARDÓ, LA FRANÇOISE, TITO B. DIAGONAL(JORDI ESTADELLA) RAFAEL TURIA, con los dos programazos de la época: “El clan de la una” y “Al mil por mil”.
Efectivamente era un “clan”, y todos los jóvenes de entonces con inquietudes musicales formábamos parte activa de él.
A la una en punto del mediodía todos corríamos a poner la radio de casa ,o a sintonizar algún transistor. Oíamos la voz de José María Pallardó y una paz penetraba en nosotros que nos predisponía a escuchar todas las maravillas musicales que la radio “normal” no ponía ni por equivocación. Oir a Soft Machine en lugar de Manolo Escobar(con todos mis respetos) o a Genesis y no a Juanito Valderrama,a los Rolling Stones, The Who, Credence C. Revival, Led Zeppelin, Deep Purple, David Bowie,……..
“El clan de la una “ duraba 45 minutos y se nos pasaba volando. José Mª Pallardó fue todo un referente para la juventud de entonces, cambió los gustos musicales de muchos y esto es de agradecer. Eran los años setenta y los que tuvimos la suerte de vivir nuestra juventud en esta época, nos encontramos con unos cambios no sólo musicales, sino en todos los ámbitos, que hicieron de nuestra formación un viaje fascinante. La música ,como no, se convirtió en la banda sonora de aquellos tiempos tan maravillosos.
Pasados esos impagables 45 minutos, volvíamos a la realidad, pero con una dosis de optimismo que nos hacía la vida más llevadera, Y a esperar la noche para volver a la magia con el programa “Al mil por mil”. Recuerdo la voz cálida de Françoise, el “parte” a las doce el punto de Tito B. Diagonal(Jordi Estadella) desde su locutorio creo que decía “verde y oro”, con referencias a su amigo “pijo” Tato Ganduxer, y la música, la música. Como leí una vez, cuando se emitían estos dos programas, los Pirineos dejaban de ser una barrera y nos imaginábamos ingleses o americanos, estábamos escuchando la misma música que ellos, y nos gustaba, nos servía para relacionarnos, para reunirnos, comentar el último L.P. de los Credence , o la pinta de Elton John en una foto, que si era mejor Jimmy Page o Ritchie Blackmore. Era lo que teníamos, y no era poco.
Ya os comenté en el post de Renaissance, la importancia de esta radio en los setenta. Os pongo unas fotos más que he encontrado en la red y valga como homenaje definitivo a estos grandes profesionales que supieron darnos la dosis de aire fresco que nuestras jóvenes vidas necesitaban.

A SONG FOR ALL SEASONS - Renaissance (1978) -Homenaje a Radio Juventud-

2011-02-21T06:35:00.003+01:00

Hoy estaba quitando el polvo a mis vinilos, y he tropezado con este pedazo de disco. A pesar de ser un estilo musical que no he cultivado, debo decir que este "A song for all seasons" me gustó desde el primer momento. Fue un L.P. muy escuchado en Cataluña en los programas de Radio Juventud ; "El Clan de la Una" del inolvidable José María Pallardó, del que en el próximo post hablaré un poco más a fondo (emitían a las 13 h obviamente) y "Al mil por mil", que creo empezaba a las 23 h y con el que muchos quitábamos horas al sueño para estar al día (más o menos) de lo que se cocía en el mundo del rock y la buena música en general.

És una obra maestra dentro del Rock Progresivo, por su singularidad dentro de este estilo y por su gran calidad lírica y musical.

Renaissance es una banda que surge a finales de los 60, a raíz de la disolución de The Yardbirds. Como muchas bandas de la época, su mayor aspiración era innovar, utilizando para ello el Folk y la música clásica. Dada la gran capacidad compositiva e interpretativa de sus miembros, y habiendo incorporado la voz de Annie Haslam (quien había sido educada en la música clásica), era inminente que aquel grupo que tenía la intención de "romper" con su música "distinta" tendría que haberse ganado un lugar de privilegio entre las bandas de culto. Comercialmente estaba claro que no tendrían nunca miles y miles de seguidores., .
A Song For All Seasons es un disco que incorpora muchos más arreglos orquestales que sus anteriores álbums, dándole un toque mucho más barroco. No hay en él absolutamente nada de duro, pesado, repetitivo.. es decir, confluyen en él multitud de estilos (Jazz, música clásica, Folk...), pero en ningún momento aparece el Rock Clásico, que es lo único que personalmente encuentro a faltar.
Creo que es uno de los mejores discos de la banda británica, y en cambio no fue muy bien recibido por la crítica, debido a un leve toque comercial en la que la mayoría de grupos de la época cayeron a finales de los 70. Esta maldición se debe a que, por estos años, empezaban a incorporarse elementos electrónicos a la música, algo que a este estilo no le favorece en absoluto. Afortunadamente, muchos volvieron a sus raíces dándose cuenta de que la electrónica sólo enriquecía un mosaico cada vez más pobre de música comercial y modas pasajeras.
Voy a escucharlo enseguida, aunque sólo sea para recordar los dos grandes programas que he mencionado y todo lo que influyeron en mi "adoración" por la música.

Jordi Estadella (Al mil por mil)

José María Pallardó (entrevistando a Elton John)

AIRBOURNE: "No guts no glory" (2010)

2011-02-18T07:54:00.000+01:00

Llevo bastante escuchando este nuevo trabajo de Airbourne y ya desisto de encontrar nada nuevo, es más de lo mismo. No hay nada nuevo bajo el sol. Copia dura y pura de AC/DC, con estilo y profesionalidad, pero copia al fin y al cabo.

“No guts no glory” no es para sorprender a la peña y si no se es muy exigente es ideal para cantar con los colegas, mientras os poneis cardíacos a birras..
Dicho ésto y tras haber disfrutado de su anterior disco, debo decir que me esparaba algo más, algo que los hiciera (aunque fuera sólo un poco) diferentes de AC/DC. El disco se convierte en bastante monótono (que no se enfade nadie), te va causando la típica sensación de "ESTO YA LO HE OIDO ANTES"
Lo único que es cierto es que “No guts no glory” es muy inferior a su predecesor y todo parece sonar igual. En según que momentos, suene la canción que suene, me parece estar oyendo la misma.

Según mi modesto entender, si siguen por este camino, tienen sus días contados. Y me gustan, que conste.

Zakk Wylde - "Acoustic Cowboy" Live in Osaka , Japón, (24-01-1997)

2011-02-11T06:33:00.000+01:00

Debo decir antes de todo, que a pesar de mi admiración por este personaje, y de conocer la existencia del disco, tenía cierta pereza de escucharlo. Pienso que ha sido debido al hecho de ser un disco acústico. Por fin me ha decidido y el live de Jeffrey Phillip Wielandt , o sea, Zakk Wylde en Osaka, Japón en 1997, es un gran disco, sin duda.

Este "sureño" nativo de New Jersey aprendió a jugar con la guitarra a los 7 años y aunque la abandonó, al poco tiempo la retomó a los 14 años y ya con 18 monta su primera banda Zyris , es cuando cambia su nombre a Zakari Wyland.

Pasaron sin pena ni gloria,pero en 1987 casualmente tiene oportunidad de entrar en unas audiciones para Ozzy Osbourne que lo “pilló” como guitarrista. En 1989 tiene su primera gira mundial con Ozzy, el resto ya lo conoceis.

En 1992 monta Lynyrd Skynhead grupo con el que versionea a ZZ Top, Allman Brothers ....llegando a tocar con estos en 1993 (existe un Live en el Great Wood Ampitheatre en Mansfield del 1-08-93).

En 1994 monta Pride & Glory con los que gira por USA y Europa, grabando su homónimo "Pride & Glory". En 1995 graba otro disco - "Book of shadows".

En 1997,directo espectacular en Osaka, "ACOUSTIC COWBOY" dando un repaso a todo lo hecho hasta la fecha. Es de escucha agradable y no dejará indiferente a nadie.

Más tarde, en 1998 crea Black Label Society, de los que hablaré cuando venga del concierto que darán en Barcelona el próximo 19-03-11.

TOSSA DE MAR (Costa Brava)

2011-02-10T06:42:00.003+01:00

Bello paraje de la Costa Brava, dónde disfrutar de unas buenas vacaciones. Destaca su muralla con el faro en su parte alta. Hay buenos alojamientos y unos restaurantes donde se pueden degustar platos típicos de la zona como el "Cim i tomba", originario de esta villa.

BADLANDS: "Badlands" (1989)

2011-02-09T17:38:00.005+01:00

Cuando apareció este disco,las referencias no podían ser mejores, el guitarrista de Ozzy Osbourne Jake E.Lee, había formado una banda con dos ex componentes de Black Sabbath como Ray Gillen, vocalista y Eric Singer, muy conococido por estar o haber estado en bandas famosas(Kiss, Lita Ford, Avantasia, Black Sabbath, Brian May Band, Alice Cooper); completaba el grupo al bajo Greg Chaisson. Tuvo una gran aceptación por parte de la critica de entonces.

La primera escucha me impresiono. Sobre todo el cantante, me recordaba a Robert Plant en todo momento.Influencia de Led Zeppelin por los cuatro costados. Hay temas de fuerza incontestable como “High wire” o “Hard driver”. La influencia de Led Zeppelin, se nota especialmente en “Seasons” que podría estar firmada por Page o Plant tranquilamente. La mejor del disco, sin duda,es “Streets cry freedom” , solo os digo que la escuchéis.La muerte prematura de Ray Gillen provoco que solo cuenten con tres discos y este “Badlands” como el mejor de todos.Es un disco de hard/rock en estado puro, muy aconsejable en estos tiempos plagado de autentica bazofia que presume de hacer hard/rock.

Sus otros dos trabajos fueron,
1.Dusk
2.Voodoo Highway

SEX'N'TRACK

2011-02-08T16:25:00.001+01:00

Una web "diferente"

HEART – “Sisterhood”(1976-2004) –Bootleg-

2011-02-06T15:03:00.001+01:00

Esta banda apareció a mediados de los años 70 como vehículo para las hermanas californianas Wilson, la cantante Ann (nacida el 19 de junio de 1951), quien había iniciado su carrera a finales de los 60 con el grupo Ann Wilson & Amp y The Daybreaks, y la guitarrista y vocalista Nancy (nacida el 16 de marzo de 1954). Su pasión por Led Zeppelin (no os perdáis la versión del "Rock and Roll" en vivo al final del disco) y su reverencia por Joni Mitchell conformaron la base de sus mejores trabajos, grabados al comienzo de su carrera con el hard rock, blues-rock y el folk melódico como principal referencia sonora.A partir de mediados de los 80 su música fue principalmente pop-rock domesticado para masivo consumo de radiofórmulas, con melodías comerciales, letras de carácter sentimental, límpida producción e instrumentación profesional pero contenida. Esto les llevó a alcanzar su máximo apogeo en ventas.
Heart procede de una banda llamada en principio The Army, un grupo rockero que estaba compuesto por los guitarristas Robert y Mike Fisher y el bajista Steve Fossen. Ann y Nancy, hijas de un militar de la marina estadounidense, residieron a causa de la profesión de su padre en diferentes localidades, afincándose finalmente en la ciudad de Seattle. Cuando Ann se integró en The Army el grupo se denominó The White Heart para posteriormente recortar su apelativo a Heart.Por mediación de Ann, la rubia Nancy también se uniría a la formación como guitarrista, hecho que provocó que Mike abandonara las tareas de músico para ejercer labores de mánager e ingeniero de sonido. En ese instante las dos hermanas mantenían sendos romances con los Fisher. Ann con Mike y Nancy con Robert.
En 1976, con la incorporación del batería Michael Derosier y el teclista Howard Leese, publicarían su disco debut, Dreamboat Annie (1976), un gran álbum muy al estilo Led Zeppelin, y con huellas vocales tanto de Joni Mitchell como de Robert Plant. Dreamboat Annie, esencial en su discografía, fue publicado en el sello canadiense Mushroom y conseguiría un excelente recibimiento en ventas, alcanzando el puesto número 7 en ventas de Lps en los Estados Unidos.
Un año después apareció en Epic Little Queen (1977), magnífica continuación de su clásico debut que incluye otro de sus temas más populares, "Barracuda", canción de potente riff que alcanzaría el puesto 11 en el Billboard. El álbum, llegaría hasta el número 9.
Magazine (1978) sufrió en su grabación de pleitos legales con Mushroon tras fichar por Epic, hecho que se apreció en la solidez del álbum. A pesar de todo el disco, con su dualidad acústica y eléctrica, consiguió vender de manera notable.Dog and Butterfly (1978), con “Straight on” o “High time”, volvió a alcanzar el número 17 en el Billboard. El disco supuso el último álbum con Roger Fisher, quien rompería su relación con Ann y dejaría el grupo tras su grabación. Al mismo tiempo también Mike Fisher puso fin a su noviazgo con Nancy, quien pocos años después se casaría con Cameron Crowe.Dog and Butterfly y el siguiente álbum, Bebe Le Strange (1980),fueron los últimos discos en los cuales el influjo de Led Zeppelin, y el blues-rock, el hard rock o el folk dominaba los surcos de sus composiciones, como el single "Even it up".
Tras Private Audition (1983), Heart sufrió la baja de Steve Fossen y de Michael Derosier , quienes serían sustituidos por Mark Andes y Denny Carmassi. Su sonido tendió hacia posturas más comerciales, hecho apreciado en Passionworks (1983), un disco producido por el ex miembro de The Music Machine y colaborador de Curt Boettcher, Keith Olsen. Esta transición en principio no fue estimada por sus seguidores y sus discos vendieron menos que sus primeras obras.
En 1985 Heart cambiaron de sello, publicando en Capitol el disco Heart (1985), un disco producido por Ron Nevison, quien sería el impulsor de su sonido a tendencias más AOR y pop-rock, de aportar una imagen más sexy a la fraternal pareja, y a que gran parte de las composiciones de los discos fuesen escritas por compositores ajenos al grupo, cuando antes casi todas las canciones habían llevado la firma de las hermanas Ann y Nancy Wilson.El disco conseguiría llegar al número 1 y de esta forma la banda consigue gran éxito, en especial con sus sentimentales baladas, engrandecidas por la estupenda voz de Ann Wilson, quien haría un dueto en 1989 con Robin Zander, cantante de Cheap Trick, cantando Surrender to me. Bad Animals (1987) y Brigade (1990) también lograron increíbles ventas.
Posteriormente publicarían varios discos en directo como The Road Home (1995), álbum producido por John Paul Jones, y de manera muy ocasional nuevos trabajos en estudio como Desire walks on (1993) y Jupiters Darling (2004), trabajando también Nancy en la grabación de bandas sonoras y girando en compañía de Todd Rundgren, John Entwistle o Alan Parsons en la gira de tributo a los Beatles.

Discografía de Heart

1976 - Dreamboat Annie
1977 - Little Queen
1978 - Magazine
1979 - Dog and Butterfly
1980 - Bebe Le Strange
1983 - Private Audition
1983 - Passionworks
1985 - Heart
1987 - Bad Animals
1990 - Brigade
1993 - Desire walks on
1995 - The Road Home
2004 - Jupiters Darling

Os dejo este “Sisterhood” un recopilatorio (bootleg) que creo nos da una perfecta idea de la trayectoria de este gran grupo.

Pago de los Capellanes Roble 2009

2011-02-05T16:41:00.000+01:00

Tipo: Vino tinto joven con crianza

Color cereza picota muy intenso, limpio y brillante.

Productor: Pago de los Capellanes

Denominación de origen: Ribera del Duero (España)

Uvas: Tinta Fina, Cabernet Sauvignon y Merlot

Botella: 75 cl.

Valoración: Elegante, amplio, persistente y con la viveza de su juventud.

NOTA: Se recomienda decantar una hora antes de su consumo.

Maridajes: Quesos semicurados y embutidos.

Nariz:

Aromas florales y de fruta negra, con notas avainilladas y toques lácticos.

Boca :

De cuerpo medio, sabroso y con una correcta acidez.

Envejecimiento: Envejecido durante 5 meses en barricas nuevas de roble francés.

Graduación: 13,5%

Temperatura de servicio óptima: Entre 16ºC y 18ºC

STEVE MARRIOTT- "Marriott" (1976)-

2011-02-02T00:18:00.000+01:00

Poco después de la disolución de Humble Pie, Steve Marriott nos ofrecía su primer álbum en solitario llamado simplemente “Marriott”.

Sus dos postreros trabajos con Humble Pie llamados “Thunderbox” y “Streets rats” fueron obras menores y desembocaron en el fin de la banda.

Para este primer vinilo en solitario, Steve Marriott contó con dos bandas, una británica con Greg Ridley y Mickey Finn, (cara A del disco), y otra formadaa por músicos americanos (cara B). Salió un trabajo de lo mejor de Marriott en toda su carrera. Como he leído en algún blog, hay que destacar su poderosa voz impregnada de soul por los cuatro costados. Total protagonismo de la música negra.
Comienza con“East Side struttin", potente tema con las guitarras de protagonistas. Le sigue un tema de soul-rock, “Lookin’ for a love”, mucho más movido ,acompañado por unas voces negras. Le sigue una version del “Help me make it through the day” de Leon Russell, una “pasada”, indescriptible, hay que oírla.. “Midnight rollin",es el penúltimo corte de esta primera parte con un sonido claramente “Stone” .“Wam bam thank you ma’am”, cierra esta cara A.
La cara B comienza con “Star in my live”, que se convirtió en single.”Are you lonely for me baby” es otro gran tema de aires funky. “You don’t know me”, tema soul donde Marriott nos enseña lo emotivo que puede llegar a ser con esta gran voz que tiene.“Late night lady”, tema funky. “Early evening light”, cierra este gran disco de un modo calmado pero de gran calidad.

Fue el gran final de este gran músico de los 70, ya no nos dio nada más, una lástima. Su voz potente y característica quedará siempre en mi memoria.

TRIUMPH: "Rock'n'Roll machine" (1977)

2011-01-27T07:06:00.008+01:00

Descubrí Triumph allá por los 80 con el "Progressions of power". Ya había oido hablar de ellos, pero tal vez por el nombre o por estar muy pendiente de otras bandas, no creía que fueran nada del otro mundo (fallos de juventud). Estaba muy equivocado, una vez escuchado este disco me decidí a empezar por el principio, (y que principio),cayó en mi manos este ”Rock’n’Roll machine” y todo cambió radicalmente y su música se abrió ante mi. Este fue el primer trabajo de la banda y el que más me gusta sin duda.

Este álbum era hard-rock de muy alto calibre , que podía competir con los grandes nombres de aquella época, con las influencias normales de Led Zeppelín o a sus compatriotas Rush. La música de Triumph era mucho más que hard-rock del montón, podían jugar con varios estilos gracias a la técnica del trío. Lo formaban Gil Moore, Mike Levine y uno de los guitar-heros más infravalorados de la historia como Rik Emmet ,eran como el propio título del disco indica, una auténtica maquina de hacer rock’n’roll. El guitarrista era para echarle de comer aparte.

El disco empieza con la potente “Takes time” a la que sigue un tema más tranquilo como“Bringing it on ”. “Little Texas shaker” vuelve a enchufar la maquinaria y aparece con otro pedazo de riff marca Emmet. “New York city streets- part I & II” son una auténtica maravilla para los oídos. La primera más tranquila acaba con un solo muy jazzy por parte de Emmet y se enlaza para sumergirnos con otro temazo de hard rock en su segunda parte. Llega el climax del disco con “The City”, una joya musical que se diferencia en tres partes y que es una auténtica pasada del guitarrista canadiense. Un tema largo de nueve minutos que para nada se hace pesado y al cual considero una de las piezas más bellas que he escuchado nunca. Este gran trabajo acaba con una versión del “Rocky mountain way” de Joe Walsh y “Rock’n’Roll machine” que se convirtió en el gran referente del grupo.

Album imprescindible

DEEP PURPLE-"Flying in a Purple Dream" -1994-

2011-01-20T07:17:00.004+01:00

Es un buen disco y nos brinda la oportunidad de oir a Deep Purple con Joe Satriani en la guitarra.

En noviembre de 1993, Ritchie Blackmore y Ian Gillan hicieron patentes sus diferencias una vez mas provocando que Blackmore dejara Deep Purple para siempre. La banda recluto entonces deprisa y corriendo a Joe Satriani para cubrir la gira en Japón y la gira europea de 1994. Deep Purple soñaba con que Satriani se quedase en el grupo pero esto no fue posible debido a los contratos firmados de Joe.
El concierto se realizó en Yokohama, Japón el 5 de diciembre de 1993.

Cd 1
01. Introducción
02. Highway Star
03. Ramshackle Man
04. Black Night
05. Maybe I'm A Leo
06. A Twist In The Tale
07. Perfect Strangers
08. Pictures Of Home
09. Knocking At Your Back Door
10. Anyone's Daughter
11. Child In Time

Cd 2

01. Anya
02. The Battle Rages On
03. When A Blind Man Cries
04. Lazy (con solo de batería)
05. Space Truckin
06. Woman From Tokyo
07. Paint It Black/ Space Truckin' (Cont.)
08. Hush
09. Speed King
10. Smoke On The Water

SANT ANTONI 2011 (Fotos Ramon Chavarría)

2011-01-17T23:49:00.001+01:00

CEMENTERY GATES - PANTERA

2011-01-13T15:56:00.001+01:00

Video con imágenes de grandes "cracks" y amigos con los que comparto algo más. Eso si, en el marco incomparable del "poble" (Caseres)

MARIONA CAMATS - Requiebros by G. Cassadó

2011-01-10T23:37:00.002+01:00

Gran interpretación de esta joven violoncelista (13 años). Para mi es una de las grandes promesas de la música, estoy seguro de que llegará muy, muy lejos. De momento os dejo que disfruteis con este momento musical.

MARIONA CAMATS: Violoncelo.
GERARD PASTOR: Piano.

Gala "Estrellas en Navidad". Teatro Principal de Burgos. 3 de enero de 2011. Producción de la Fundación Ángel Corella.

AC/DC – “Going Dutch” - 1978

2011-01-10T07:10:00.002+01:00

Este es un bootleg muy conocido del 28 de Octubre de 1978 en el Vereeniging Hall en Nijmegen, Holanda y una siguiente parte grabada el 12 de Noviembre de 1979 en el Jaap Edenhall en Amsterdan, Holanda.

Por supuesto, en esta época el de la voz era Bon Scott.

1. Live Wire
2. Problem Child
3. Sin City
4. Gone Shooting
5. High Voltage
6. The Jack
7. Wholke Lotta Rosie
8. The Jack
9. Rock And Roll Damnation
10. Let There Be Rock
11. Live Wire
12. Shot Down In Flames
13. Hell Ain't A Bad Place To Be
14. Sin City
15. Highway To Hell

JETHRO TULL

2011-01-08T00:03:00.002+01:00

07-05-1982 (5,40 €) . Tenía 26 años y era la segunda vez que asistía a un concierto de Ian y compañía. Aún vendría un tercero. Inolvidables.

Grace Potter and Joe Satriani "Cortez the Killer"

2011-01-04T21:13:00.000+01:00

No conocía esta versión y os la pongo porque me ha encantado, joder con el Satriani !!!
La trompeta brutal, en fin me alegro de haber encontrado esta joya.